オーディオケーブル：ミュージシャンが知る必要があるオーディオケーブルの種類についてのすべて

オーディオケーブルについての知識をここで一気に増やしてください。 …

音楽制作に使える4つの素晴らしいツール

どんな種類の音楽を作っていても、テクノロジーのお陰で、今までよりも良いツールで作業を終えられるようになりました。 たとえあなたにそれほどお金がなかったり、テクノロジーが音楽に何をもたらすか部分的にしか理解していなくても、企業は製品をユーザーフレンドリーにして価格を下げることで、テクノロジーを通じて音楽生活を豊かにしてくれます。 ここ近年、そして今日も、作曲・録音・マスタリングでプロ・グレードの曲作りを手助けできるよう設計されたパワフルなツールが、めまぐるしいほど提供されているのです。 Roland Cloud あなたが少しでも音楽を作ったことがあれば、ローランドの名前は楽器製造業界のリーダーとして認知されているでしょう。しかし、ソングライター・プロデューサー・エンジニア達からのテクノロジーを基にしたいニーズにあわせて、ローランドはそのビジネスモデルにおいて、驚くべき新しい可能性を見いだしました。 彼らの新しいRoland Cloudサービスは、サブスクリプションを基本としたモデルを通して、作曲家達にシンセの巨大なライブラリーへのアクセス権を与えます。この”巨大なライブラリー”というのは、80年代から90年代にかけての全シンセザイザーのパッチから真に迫ったギターやオーケストラ・サウンドまでを指します。 ローランドの計算では、これら全てのデジタル楽器を所有するなら$4000（約44万円）に相当し、言い換えれば自腹でビールを1000杯飲むことになる（勿論チップは含まない）が、毎月$20（日本では2,265円）でこのサウンド・ライブラリーと連携サービスや制作ソフトウェアにアクセスすることができる。 Soundtrap Soundtrapは、音楽家向けにオンラインのレコーディングスタジオ／詰め込んだ4000を超えるループとプリセット／オートメーション機能／ドラムマシン用のPatterns Beatmakerを提供することに特化しています。 Soundtrapのコラボレーション・ソフトウェアでは、音楽家にコンピューターやタブレット・スマートフォンを通じた共同作業が可能で、とても良く出来ています。さぞかしお高いんでしょうって？Soundtrapの月額制サブスクリプションのモデルは、先ほどの通訳によるとビール1杯から3杯にあたる月額$4〜$15です。私に聞くのなら、そんなにケチにならないでください。 Splice Spliceは作曲家やプロデューサーに、金がなくても支払いをためらわないようなレンタルシステムをとおして、共同作業のためのソフトウェアや制作のプラグイン素晴らしいツールを提供します。 しかし、Spliceのもっとも大きなセールスポイントは、Soundtrapのリアルタイム・コラボレーション機能とは違い、通知やメッセージの送受信や操作が簡単なプラットフォームを通して、同じ楽曲を複数人が共同作業できる素晴らしい機能を備えているところにあります。 また、Spliceはハードディスクの空き容量を減らすこと無く、セッションの古いバージョンを救出することが簡単でもあります。彼らのプラグインは、月額$8〜$15でどこにいても使うことが出来ます。 LANDR 手前味噌ではありますが、LANDRにサインアップすることは、マスタリングからデジタル配信に到達するために、音楽家には有益だと考えています。LANDRは月額$1〜$25の価格帯で、年間契約だとさらに安くなります。 また、見逃せないであろう素晴らしく新しいコラボレーションの新機能を追加しました。この新機能は他の作曲家やプロデューサーと作業する時に、最も使うであろうトラックの共有やコメントを可能にしました。 アイデアを新奇かつ新鮮でエキサイティングに保つのは、音楽ソフトウェアにとってコラボレーションの技量が求められていることも一つの理由です。 LANDRのマスタリング技術は、デモミックスのマスタリングからプロ級のマスター作成まで、全てにおいて驚くほど使いやすいものなのです。 困難な仕事 テクノロジーは音楽家に素晴らしい恩恵をもたらしましたが、創造性やテクニックの開発や生楽器を演奏する腕前といった困難な仕事をするほどの性能はありません。これは月に何杯ビールを飲めるといった情報よりも、時間を費やすべき類いの仕事なのです。

スタジオで多様性を定義する７つのVSTプラグイン

すべてのサウンドとセッション録音に備えてください。…

減三和音：あなたのソングライティングにアクセントを加える方法

あなたの音楽にアクセントを、もう退屈な曲とはおさらば。 優れた作曲を行うには適量の緊張感やドラマが必要であり、減三和音は曲にアクセントを加えるのにすばらしく、そして簡単な方法なのです。 同じ退屈な曲の構造を何度も何度も繰り返し書くよりも酷なことはありません。 ソングライターだけでなく、すべての人は例えば、作曲をすることに固執せずとも、靴を縛るなり、食器を洗うなり最も簡単な道を選ぶ傾向があります。 それを念頭に置いて考えると、既存のプロジェクトに新しい、挑戦的なアイデアを加えることは難しいということだけが明確になっています。 だからあなたの音楽にどうアクセントを加え、マンネリ化した状態から脱出すべきでしょうか？ さて、シンプルな減三和音のコードパターンを覚えることで、まったく新しい色とアクセントをあなたの音楽に加えることができます。 今回のはどう減三和音を活用して、あなたの音楽をもっと物語調にし、さらにより良いソングライティングを促すかを紹介します。 減三和音とは何ですか？ 減三和音（英語ではDiminished Triad = ディミニッシュトライアドと言います）はルートから短３度と減５度からな和音のことを言います。例えば、Cを根音に作られたコードの減三和音は、EbとGbを含みます。 減三和音は音楽の衝突の感覚を響かせ、協和和音の効果をさらに強めます。 減三和音は音楽の衝突の感覚を響かせ、協和和音の効果をさらに強めます。 作曲家は、よく減三和音を使って、ドラマ、ミステリー、混沌の感覚を音楽に注入することがよくあります。例えば、昔の古い映画で、線路上で迫ってくる列車をバックに悪役が主役のヒーローに罠を仕掛けるシーンなんか想像しやすいですね。このようなシーンの音楽は、減三和音が凝縮されています。 減三和音を一番わかりやすく例えるならば、映画中の本当に強烈で劇的になるシーンが象徴的ですね。音楽例えるならば、その物語のモチーフは減三和音で達成されます。 ジェフ・バックリィ(Jeff Buckley) の「Hallelujah」のような曲では、減三和音が聴き取れます。 さらにルイ・アームストロングの「What a Wonderful World」もです： どのように半音パターンで減三和音を構成できますか？ この強力な作曲ツールの使い方を学ぶことは、案外簡単です。 １つのシンプルな半音のパターンを覚えることで、減三和音とそれに付随する豊かなアクセントをあなたの音楽のどこにでも加える方法を学べます。 音楽上で、全音と半音はピッチ間の距離を表します。これらの全音と半音の異なる組み合わせは、私たちが聴く音楽ですべての音程や和音を構成しています。 ギターでは、半音は１フレットの距離で表され、全音は２フレットの距離で表されます。 減三和音の作り方を学ぶには、短三度と三全音の2つの音程を覚えておく必要があります。 「短三度と三全音は何ですか？」と思っている方、ご心配なく。調を見るとわかってきます。 短三度は３つの半音で構成されています。Cを根音にするとこのように見えます： 三全音は６つの半音で構成されています。Cを根音にするとこのように見えます： 音楽上では、ルートノートは和音（コード）を作成するために選択した音符です。短三度と三全音を根音の上に追加すると、減三和音ができます。 たとえば、Cを根音（または開始音符）とする場合、EbとGbを追加すると、Cのキーで基本的な減三和音がつくれます。 減三和音のようなシンプルな音楽理論ツールは、あなたの全体的な音だけでなく、作曲にも大きなメリットをもたらします。 ルートのCで減三和音を作るのに慣れたら、このパターンを他のルートノートで試してみてください。 減三和音を使かう場所 減三和音はいろいろな方法で使用できますが、その最も良い使い道の１つは、コード進行内のVに置き換えることです。 たとえば、一般的なI-V-vi-IVのコード進行を設定すると、減三和音はVの代わりに使用される2番目のコードになります。 理論は積極的に活用してください！ 減三和音とV度の和音は同じ音符のほとんどを共有しますが、減三和音は音楽の緊迫感と緊張感を高め、それが結局曲の気分や雰囲気を生み出します。 しかし、Vの代わりに使用されていなくても、減三和音は、コード進行に全く新しい次元を加えることができます。 減三和音はつまり鼓舞すること 減三和音のようなシンプルな音楽理論ツールは、あなたの全体的な音だけでなく、作曲にも大きなメリットをもたらします。 次作曲のマンネリ化に陥るようなことがあれば、減三和音を頭の隅に覚えておいてください。 緊張感やドラマ、そしてアクセントをあなたの曲に与え、きっと曲をダイナミックにするでしょう。 そして、音楽理論を怖がらないでください！ 音楽理論は大きなテーマです。 できるだけ小さな理論をたくさん作品に使うことで、シンプルにしておきましょう。 このような良い習慣は今だけでなく将来長い目で見た音楽制作の素晴らしい手助け、そして知識の宝庫になることでしょう。

ミックスオートメーション入門：より良いミックスのために処理を自動化する方法

長いミックス作業の終わりが近づくにつれ、ちょっとした問題に気づきそれを抱えることもあることでしょう。でもそんな時、ミックスオートメーションは役に立つんですよ... それは例えばEQ、コンプレッション、センドエフェクトなどすべて完璧に調整したつもりにもかかわらずそのミックスにピンと来ないとか、あるいは音に躍動感がなく物足りなく感じる、とかそんなことではないでしょうか。 そんなミックス中に抱える憂鬱を解決する策は、すべてのトラック間の音楽的な相互作用を導きだすことです。 とは言え、あなたとしてはすでに十分やるべきことはやった...としたら、どうしますか？ その答えが、ミックスオートメーションです。 オートメーションは、完璧なミックスを施すにあたっての重要な最終段階においてドンピシャに役立ちます。でも一口にオートメーションと言っても機能は多岐にわたっていますし、いったいどこから手を付ければよいのでしょうか？ この記事では、オートメーションの仕組みと、それを使ってミックスを改善する方法を学びます。 ミックスオートメーションとは何ですか？ ミックスオートメーションは、ミックスのタイムライン全体にわたるパラメータの調整を記録するプロセスです。オートメーションは、ミックスのいくつかのパラメーターに適用できますが、最も一般的なものはゲインとエフェクトです。 ミックスオートメーションとそのアプリケーション 聴感上の精度を得るために、ほとんどの現代的なミックスはオートメーションに大きく依存しています。 オートメーションを用いる最も一般的な目標は、トラックのボリュームを変更することですが、考えられるほとんどすべてのパラメータを自動化することができます。 アナログ時代には、リアルタイムでテープに録音されたので、エンジニアは文字通りフェーダーでミックスを再生します。しかし、プロセスをより正確かつ反復可能にするために、ミックスコンソールの設計者は、自動的に変更を行うようにプログラムできる電動フェーダーを開発しました。 今日のDAWにおけるオートメーションは、これらのアイデアの拡張ですが、さらに多くの可能性があります。 プロの現場におけるミックスでは、コンプレッションを補完するために、オートメーションが頻繁に使用されます。ここぞという瞬間にひと目盛ふた目盛フェーダーをダッキングしたほうが、1つの誤ったピークを捕まえるだけにコンプレッサーのスレッショルドを低く設定するよりも、はるかに透明で音楽的です。 そのため、エンジニアがポップリードボーカルに関して労を惜しまずに各音節をオートメーション化し、各単語から最大のインパクトを得るようにしているというのは非常に一般的です。 独自のミックスオートメーションを正しく始めるために必要な知識はすべてここにあります。 ミックスオートメーションの基礎 DAWのミックスオートメーションは、まるで誰かがMSペイントでそれを描いたようにセッションを見せるツールです。 例）オートメーションを描画で示すことができること フィルターのレゾナンスとカットオフ周波数の劇的なスイープ タイム-ベースのエフェクトのレートとフィードバック モジュレーション・エフェクトの深さまたはウェット/ドライ・ミックス または考えられるその他のパラメーター オートメーションビュー：変更を確認する DAWの基本波形とMIDIビューに加えて、オートメーションデータ用のトラックごとのオーバーレイビューもあります。 この記事の例では、Abletonビューを示していますが、ほとんどのDAWではコンセプトが似ています。 トラックのオートメーションビューを使用することで、もはや実際のオーディオを編集しなくなります。代わりに、トラックのオートメーションを変更しています。 アナログ時代には、リアルタイムでテープに録音されたので、エンジニアは文字通りフェーダーでミックスを再生していました。 オートメーションオーバーレイは、選択したパラメータの自動化を表示します。通常のデフォルトパラメーターは、トラックのフェーダーボリュームです。 オートメーションを入力していない場合は、ミキサーのフェーダーのレベルに直線が表示されます。 他のパラメータを割り当てて自動化すると、それぞれに追加のオートメーションオーバーレイを選択することができます。 オートメーションデータ自体は、タイムラインの変化の傾きを示す線で接続された「ブレークポイント」で構成されています。 オートメーションの書き方 オートメーションを始めるにあたって最も簡単な方法は、アナログ時代に元々どのように行われたかを模倣することです。 DAWのフェーダー付きのコントロールサーフェスを使用している場合は、再生中にリアルタイムでトラックの書き込み、タッチまたはラッチモードを操作し、フェーダーをリアルタイムで調整します。 DAWはオートメーションのタイムラインに加えた変更を記録します。 コントロールサーフェスを使用しない場合でも、フェーダーをマウスでドラッグしてこのテクニックを真似ることはできますが、あなたが「マウスの達人」でもない限りこのやり方はかなりフラストレーションがたまると思います。 このメソッドは、変更のすべての段階でブレークポイントを生成します。オートメーションの変更がよりダイナミックになればなるほど、オートメーションのタイムラインにはより多くのブレークポイントが表示されます。 オートメーションモード 異なるパラメーターは、ミックスのどこに収まるかに応じて、特定のオートメーションモードを必要とします。 共通の自動化モードの概要を次に示します。 オートオフ：すべてのオートメーションをバイパスします。 オートリード：オートメーションデータを再生するための標準モード。オートメーションはフェーダーから記録されませんが、トラックは既に書き込まれたものに従います。 オートラッチ：タッチ・モードに似ていますが、この場合、移動を停止すると、フェーダー・オートメーションは最後の位置から記録を継続し、そこから以前のデータに上書きします。 オートタッチ：オートメーションデータの変更は、フェーダーが動かされるまで記録されません。フェーダーの移動を止めると、トラックは以下元データに戻ります。 オートライト：フェーダー位置の変更がすべて記録され、以前のオートメーションデータが上書きされます。このモードは、通常、最初の自動化パスを作成するために使用されます。このモードでオートメーションに書き込んだ後、他のモードの1つを必ず変更してください。それ以外の場合は、トランスポートで再生を押すたびにデータが上書きされます。 オートメーションブレークポイントの編集 オートメーションブレークポイントの編集 しかし、オートメーションカーブのより細かい調整を行うなら、オートメーションのタイムライン上でブレークポイントを作成して正しい値にドラッグするだけで、オートメーションカーブを作成することができます。 ドローイングオートメーション もう1つの選択肢は、DAWの鉛筆ツールを使用して 「ドロー（描画）」することです。 鉛筆ツールの異なったモードで、さまざまな方法でデータをすばやく入力できます。 フリーハンドツールを使用すると、データをトラックに直接描画できます。フリーハンドモードでは、フェーダーの動きを記録するのと同様に、描画した変更を表す多くのブレークポイントが生成されます。 ラインツールを使用すると、クリック＆ドラッグによって線形の変更を作成できます。これは、ブレークポイントを個別に作成して移動するよりも高速です。 四角形と三角形のオプションを使用すると、繰り返しパターンを素早く入力できます。グリッドモードでは、これを使用してパターン化されたテンポ同期の変更を素早く行うことができます。 ランダムツールは、一部のアプリケーションに役立つランダムな変更を作成します。 オートメーションの初級は基本的で簡単に気づくものから始めましょう。フェーダーが上下に動くのを見て、オートメーションカーブがトラック内でどのように演奏されているかを知ることができます。 オートメーションに関するその他のアプリケーション ミックスオートメーションはすべて実験的なものです。 ここにいくつかのアイデアがあります。それらを使用して、独自のオートメーション技術を見つけることができます。 ゲート設定に合わせてゲインを調整するノイズゲート/エキスパンダを使用すると、スネアトップマイクに隣接するハイハットからの音漏れを低減するのに最適です。 しかし、曲中の静かなセクションでは、ドラマーは、ゲートを通過するのに十分な音量ではないスネア（例えばリムショット）をより静かに演奏することがあります。 リバーブに送られる信号の量を自動化することは、ミックスのリバーブ全体のレベルを変更することなく、雰囲気をコントロールするのに効果的な方法です。 踏まえてそれらの解決策は？となると、ゲートのしきい値をより静かな音で動作するようにオートメーション化するか、またはプラグインが完全にバイパスするようにオートメーション化するか、です。 バスをスキップすること。あるいは代わりに自動化すること。 トラック内のいくつかのゲイン変更を自動化しながら、後で全体的なレベル変更を行うことができれば、ミックスに柔軟に対応することができます。 追加のバスを作る代わりに、DAWのユーティリティプラグイン（Pro Toolsでトリムするかロジックでゲインする）を挿入し、フェーダーを使わずにゲインコントロールを自動化してください。 これにより、何らかの理由でインサートチェーンのゲイン変更がどこで発生するかを制御することができます。 センドを自動化する もう一つの面白いところは、センドエフェクトの自動化です。 Fたとえば、リバーブに送られる信号の量を自動化して、ミックスのリバーブ全体のレベルを変更せずに雰囲気をコントロールします。 リードボーカルでディレイを使用している場合、オートメーションは、ディレイリフレクションを避けるのに役立ちます。 逆もまた真なり。あなたのリバーブ上のウェットミックスの劇的な自動化や遅延のフィードバックは、あなたのトラックにクライマックスの瞬間を打つことができます。 あなたの手によるオートマティック トラックを完全にコントロールすることは、ミックスプロセスの最後半で非常に重要です。 私たちは皆、完璧に磨かれた、非の打ち所の無い最終結果を望んでいます。 オートメーションは、プロエンジニアがミックスを完成させるために使用する重要な鍵となる技術です。 スマートなオートメーションは、録音が​​終わってから長い間、ミックスに動きや豊かな音楽性を加えることができます。 今こそハンドルを握って実験という名のドライヴに出かける時です！あなたに合ったオートメーションの書き方、お気に入りのパラメータを微調整するための好きな方法、ミックスが必要とする重要なフィニッシングタッチを見つけてください。

どうSpotifyとアップルミュージックで認証されたか

音楽配信サイトで認証される手続きがこれまで以上に簡単です。工程の説明をここから見てみましょう。 何年もスタジオでトラックを作ったり、制作途中のドラフトを投稿したりしてきましたが、私はついに自分で 音楽配信をすることに決めました。 トラックをマスタリングし、曲情報を入力してアルバムアートワークをアップロードしました。「提出する」ボタンをクリックし、承認され、遂に待ちに待った音楽配信をしました！自分の曲は、Spotify、iTunes、Apple Music、Deezerなどのプラットフォームに突然聴くことができるようになっていました。 イェーーーイ！！！ すばらしいですね。で、これからどうしましょうか？アーティストプロフィールを編集するにはどうすればよいですか？私は自分の写真を変更し、プロファイルを編集し、これらのプラットフォームで自分がどのように表現されているかを管理したいと思っています。 これらの配信サイトはサウンドクラウドのようにログインしてすぐ編集できるようにはいかないのです。 自身のアーティスト情報をオンラインで管理することは、あなたが常にアクティブである証明であるだけではなく、あなたのファンに最新情報を提供し、そしてあなたのプロファイルを他のアーティストと比べ際立たせていることを示しているので非常に重要です。ファンの立場から見れば、常に旬の情報を得られるのですから、あなたをフォローする理由が生まれますよね。 どうしたらよいのですか？それは認証されれば良いのです！ ただ音楽をリリースしたばかりの人は、おそらくどう自らのプロファイルが認証されるのか疑問に思っていることでしょう。ここから説明することはどうSpotifyとApple Musicでプロファイルが承認され、そしてアーティストプロファイルを自ら管理できるかです。 なぜ承認が必要なのですか？ 多くのアーティストのプロファイルで良く見かける小さな青いチェックマークはなんなんですか？ 「承認済み」チェックマークはつまりこのアカウントが合法的にこのアーティストのアカウントであり、それを認証するための青い「認証マーク」ですよ、ということです。このアカウントの音楽も認証済みで、このアーティストとの制作物であることを意味しています。 実際のところ、認証までの工程は新興アーティストにとって不公平でもありました。「認証済みチェックマーク」を獲得するには、その価値があることを証明するために多くの再生数やファン数が必要でした。お分かりの方もいるように、どれだけ最初の250人のファンを獲得することが難しいかったことか... 幸いにも「認証済み」を獲得するスッテプが変更され、インディーズアーティストも簡単に「認証済み」の称号を得ることができるようになりました。 Spotifyは、より透明性を持たせるため、すべてのアーティストに同じプロジェクト管理ツールを提供する必要があることに気付きました。 「認証済み」されると、次のようなメリットがあります： プロファイル写真やその他の詳細を変更してアーティストプロファイルが編集できる プレイリスト、ツアー日、アップデートを投稿してファンともっとツ繋がりを持てる あなたの統計情報を得ることができ、誰がどこであなたの音楽をストリーミングしているかがわかる 「認証済み」によりプレイリストに載りやすくなる 以下が実際に「認証済み」マークを獲得するために必要なことです。（リリース前に行なってもダメですよ。リリース後にしてください）。 Spotifyアーティストプロファイルを管理する アーティスト向けSpotifyにアクセスし、[アクセスを取得/Get Access]をクリックしてください。 この工程は場合によっては数週間かかる場合もあります。 あなたが誰であるかの確認が完了すると、アーティストプロファイルにアクセスできます。 Spotifyで「認証済み」されると、次のようなメリットがあります： アーティストの写真が更新できる アーティストのオススメを追加できる（たとえば、自身の最新のリリースなど） アーティストプロファイルにおすすめのプレイリストが追加できる 統計情報が確認きる：再生数、音楽が再生されれた国や都市など Apple Musicのアーティストプロファイルにアクセスする プロセスはちょっと複雑ですが、以下は実際にAppleサポートチームに連絡して得た情報を元にまとめられています。 Apple Musicアーティストプロファイルにアクセスするには、Apple Music Connectにアクセスしてください（ConnectまたはiTunes Connectと混同しないでください）。 …

ミックスで音を巨大に広げる7つのシンプルなTIPS

自分のミックスをワールドワイドに幅広くする方法を学びましょう。…

LANDR最新マスタリングエンジン「Mixolydian」登場。あなたのサウンドを次のレベルに

なぜ音楽を続けなくてはいけないのか

作詞家や作曲家になるというのは、相当な覚悟を強いられる。…

楽曲の世界に適したサンプル素材を作ろう

オーディオサンプルのサンプルパックをダウンロードした後にすべき事があります。…

コードを学ぶ: 基本となる4つのコードの形とその演奏方法

音楽理論の基礎は全ての音楽家にとって重要なもの！ しかし、実際には多くの人がその基礎を学ぶのに十分な時間と努力をかけられていません（だけどあなたは違う？良いですね） 基礎的な音楽理論の概念に対してたとえ少しの労力でもかけられるなら、それはあなたの作曲にあらゆる方面でプラスになるでしょう。 しかし、全ての音楽家が知るべき最も重要な音楽理論の概要とは何でしょう？ 最も重要なスキルの一つとして、コード(和音)を構成することが挙げられます…コードの構成は、音楽を聴いて理解し作曲へと変えていく音楽理論におけるホチキスとなるのです。 たとえ既にコードの構成の方法を知っていたとしても、こうしたリマインドは自分のスキルを磨く上で役に立つでしょう。 この記事では、単純な音程のパターンを覚えることで、キーのルート音が何であっても使える4つの基本的なコードの形式について学びます。このチュートリアルと効果的に使うには、ご自身の楽器で一緒に演奏してみてください。 もし楽器が手元にないのならば、このピアノの画像を印刷して一緒に弾いてみましょう: それでは始めましょうか？ 音楽におけるコードとは？ コード(和音)とは、同時に演奏された2つ以上の音のハーモニーです。最も基本的なコードでは3つの音程を使います。和音はルート音（最初の音）から構成していきます。コードで使う他の音程は、そのコードの質感によって決まります。 コードはたくさんの音から構成することもできますが、その響きはおそらく実験音楽以外には使い道のない不協和音になるでしょう。 音楽を建物のように考えてみましょう。和音はその土台になるものです。 自分の音楽においてコードの働きをより深く理解するには、自分の楽曲を建物だと考えましょう。コードはその土台になるものです。 リスナーが常に楽曲で使われているコードを認識している訳ではありませんが、コードはメロディーを支える輪郭や空間を形作ります。コードはギターから5重奏の管楽器までどの楽器でも演奏することができます。 コードの構成とコード進行は、一度基礎を理解してしまえば単純なものです。しかし、コードを構成するには、最初にコードの度数を知る必要があります… 音楽における度数とは？ 度数とは、音楽で聴いている音と音の結びつきのことです。コードとは単純に度数の組み合わせで変わるのです。 コードの度数がわずかに変わっただけでもその結果は大きく変わることがすぐにわかるでしょう。 コードにおける度数を理解するには、特定の数のセミトーンを入力する必要があります。セミトーンとは、ある音からその上の音までの距離になります。 コードはメロディーを支える輪郭と空間を提供するのです。 ギターでは、セミトーンは1フレットとして表記されます。ピアノでは、全音と半音はこのようになります: さて、全音と半音の違いがわかったら、次はいくつかの和音を構成してみましょう。 コードの形式: 4つの基本コードを作るには これら4つの基本コードのタイプや響きは、3つの音から構成されています。 最初はわかりやすくするために、Cのキーでコードを構成する方法を紹介しますーしかし、一度Cのキーでコードの構成を理解したら、完全にコードの構成を理解する為にも、他のキーでコードを構成した方が良いでしょう。 覚えておいて欲しいことは、より複雑な素材に移る前に、基本をマスターすることが重要であり、基本のコードに新たな度数を追加して、複雑なコードに変形させるようなことは早急です。 4つの基本コードの種類とは: メジャーコード メジャーコードは、完全で解決されて完結するサウンドです。トム・ペティーの楽曲は”フリー・フォーリン”から”ハッピーバースデー”に到るまで全てメジャーコードのシンプルなコード進行からできています。 メジャーコードは、ルート音に長3度と完全5度の度数を足すことで作られています。ところで、このルート音とは、コードで一番基になる音程（この例ではC）のことです。 長3度の度数は、ルート音から4セミトーン分高くした音程になります。Cがルートなので、長3度はEのノートになります。 3番目の音、完全5度とはルート音から7セミトーン分高くなった音です。この例では、CとGの距離を示します。これらを全て置くことで、Cメジャーコードが出来上がります。 長3度＝4セミトーン（CからEまで） 完全5度＝7セミトーン（CからGまで） マイナーコード 良いお知らせです。もしこの点で全てを理解できたのなら、残りの基本コードをマスターするのは簡単でしょう。マイナーコードは、陽気さとは無縁のサウンドで、メジャーコードの特性を解決するものですが、違いはたった一つの音程だけです。 多くの人がマイナーコードを陰気で哀愁のあるものだと思っていますが、このコードは音楽に様々な種類の感情を持ち込むのによく使われています。 ここまでの全てを理解できたのならば、残りの基本コードをマスターするのは簡単でしょう。 マイナーコードは、ルート音に対して短3度（3セミトーン）と完全5度を加えることで構成されています。 短3度: 3セミトーン 完全5度: 7セミトーン ディミニッシュコード ディミニッシュコードは、音楽に緊張と不調和の響きを加えます。 ディミニッシュコードは、ルート音に対して短3度と減5度(訳注:3全音とも言う)を加えることで構成されています。減5度は6セミトーンからなります。 短3度: 3セミトーン 減5度: 6セミトーン オーギュメントコード オーギュメントコードは、SF映画のサウンドトラックのように奇妙で落ち着かない響きです。 基本コードとは異なり、音楽でオーギュメントコードを聞くことはあまりありません。オーギュメントコードはちょうどメジャーコードのようにシンプルな構成ですが、5度の音程を上げています。 CメジャーコードではC,E,Gの音程を使い、CオーギュメントコードではC,E,G#の音程を使います。 長3度: 4セミトーン 増5度: 8セミトーン 一旦基本コードの構成方法が明確になったら、他のキーでもコードを構成してみましょう。 また、これはとても重要なことですが、コードを組む知識を適用するのは、自分の得意な楽器から始めましょう。もしあなたのメインとなる楽器が同時に1音しか出せないような場合は、そのノートをアルペジオで演奏してみましょう（和音の構成音を1音ずつ順番に演奏する）。 音楽理論の利点は、音程を出せる全ての楽器に適用できるところです。しかし、それが役に立つのは、自分のツールやワークフローに音楽理論をあてはめる時だけです。 コード進行 さて、コードとは何かわかったところで、そのコードを自分の音楽にどうやって使うかについて話しましょう。コード進行は、音楽の一部で2つ以上の和音が使われる場合の一連の流れです。音楽のスタイルによって、コード進行はシンプルであったり、繰り返しが多かったり、長かったり複雑だったりします。 もしあなたが和音を使って音楽を作ることに全くの初心者ならば、まずは12小節のブルースのコード進行からはじめてみるのが良いでしょう。 もしあなたが和音を使って音楽を作ることに全くの初心者ならば、まずは12小節のブルースのコード進行からはじめてみるのが良いでしょう。 Cメジャーの例に戻って、簡単な12小節のブルースのコード進行は、C, F, Gメジャーの和音により構成できます。和音ネーム毎に4拍（1小節）足していきましょう: Cメジャーの12小節ブルース C-C-C-C F-F-C-C G-F-C-C 覚えておいて欲しいのは、コード進行は長かったり複雑である必要はないということです。実際には、使えそうな2つの和音だけで曲を作れることが本物の作曲能力といえます。いくつかの単純なコード進行で実験をして、上手くできるかやってみましょう！ コードを使ってより良い曲を構築しよう コードの組み方を学ぶのは、最初は大変なことに思えるかもしれませんが、楽器の演奏を学ぶ時のように、練習を経て簡単になっていきます。 コードを練習し、いくつかのキーでコードを作ってみましょう。そして次は音楽を聴いた時に、コードとその進行を聴いて、その中でどの音が中心になっているのか積極的に聴いてみましょう。 十分な作業をして、演奏方法を知り、基本コードの構成を理解することは、自分自身の作曲における2番目の特性となるでしょう。