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Théorie musicale

Qu’est-ce que la mélodie en musique? Comment utiliser les mélodies dans votre écriture musicale

Qu’est-ce que la mélodie en musique? Comment utiliser les mélodies dans votre écriture musicale

Pensez à votre morceau préféré.

Quelles sont les parties de celui-ci qui vous reviennent le plus facilement ? Sa progression d’accords? Sa ligne de basse ? À dire vrai, c’est sans-doute sa mélodie.

Les mélodies sont les parties les plus mémorables d’un morceau. Ce sont par ailleurs les parties les plus difficiles à écrire.

Penser à une mélodies impactante est un vrai challenge car il peut sembler que tout a déjà été écrit ou joué auparavant. Pas d’inquiétude cependant : c’est loin d’être le cas.

Il existe de vastes territoires inexplorés riches en nouvelles mélodies qui n’attendent que d’être écrites. Pour les découvrir, il vous faudra simplement combiner quelques notions théoriques à une bonne dose d’expérimentation.

Aujourd’hui, nous nous pencherons sur le concept de mélodie et les raisons qui font qu’une mélodie est réussie et par conséquent accrocheuse. Nous explorerons ensuite les différents outils qui peuvent aider à écrire les meilleures mélodies possibles.

Qu’est-ce qu’une mélodie ?

Une mélodie est une séquence linéaire de différentes notes que l’auditeur·ice perçoit comme une seule entité. La mélodie d’un morceau est le premier plan, tandis que les éléments qui la soutiennent agissent comme le décor dans lequel elle s’inscrit. Une mélodie est une combinaison de hauteur (pitch) et de rythme. Les séquences de notes qui constituent des mélodies sont musicalement satisfaisantes et forment généralement la partie la plus mémorable d’un morceau.

Une mélodie est une séquence linéaire de différentes notes que l’auditeur·ice perçoit comme une seule entité.

Lorsque vous chantez “Joyeux Anniversaire” pour célébrer les 70 ans de Tatie Marthe, vous chantez une mélodie.

De refrains accrocheurs à des riffs de guitare infectieux, les mélodies définissent les morceaux que nous connaissons et apprécions parce qu’elles jouent un rôle central dans la création de leur singularité.

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Les mélodies peuvent être produites par la voix humaine et par tout autre instrument dit mélodique ou harmonique, c’est à dire capable de générer des notes de différentes hauteurs : marimbas, flûtes, synthétiseurs, pianos, glockenspiels, guitares, etc.

Gardez en tête qu’il existe une différence entre harmonie et mélodie : une mélodie se transforme en harmonie lorsque différentes notes sont empilées au-dessus ou au-dessous de celle-ci en étant jouées simultanément. C’est par ces superpositions que les harmonies sont construites, qu’elles soient émises par un accord, des agencements vocaux, ou la superposition de différents instruments.

Tandis que vous commencerez à écrire vos propres mélodies, il est important de garder en tête que les mélodies, quant à elles, sont des enchaînements linéaires de notes individuelles.

Comment utiliser les mélodies dans votre musique

Pensez à vos mélodies comme à des scènes de films ou de pièces de théâtre. Vos accords esquissent la scène tandis que vos mélodies les habitent, la font vivre et transmettent l’histoire racontée.

Une bonne mélodie sait capter et retenir l’attention de l’auditeur·ice. Les auteur·ices-compositeur·ices utilisent les mélodies pour transmettre un récit, abstrait ou non, donnant au public un élément central auquel se connecter.

Les auteur·ices-compositeur·ices utilisent les mélodies afin de transmettre un récit, abstrait ou non, donnant au public un élément central auquel se connecter.

La façon la plus évidente d’utiliser les mélodies dans la musique chantée est à travers les différentes sections que constituent les couplets, les refrains et les bridges. Cependant, les mélodies instrumentales sont tout aussi importantes.

Voici quelques différents types de mélodies qui illustrent plusieurs façons dont elles peuvent agir dans un morceau :

1. Mélodies instrumentales

Les mélodies instrumentales sont produites par des instruments mélodiques. Des éléments tels que des riffs, des solos ou des phrasés instrumentaux réagissant à une mélodie vocale sont quelques exemples de mélodies instrumentales.

L’introduction mélodique à la guitare du morceau “There She Goes” par The La est un très bon exemple d’une mélodie instrumentale à fort impact :

L’introduction orchestrale soyeuse d’ “At Last” d’Etta James est une autre mélodie instrumentale marquante :

L’introduction à la guitare de “The Louder I Call The Faster It Runs” de Wye Oak est également une ligne mélodique très accrocheuse :

2. Mélodies vocales

En matière de musique populaire, il n’existe rien de plus caractéristique que les mélodies vocales.

En matière de musique populaire, il n’existe rien de plus caractéristique que les mélodies vocales.

Tous les aspects d’un morceau peuvent établir une connexion avec le public, mais les vocales forment immanquablement la partie la plus humaine de celui-ci, et permettent aisément l’identification de l’auditeur·ice.

“Somewhere Over The Rainbow”, ici présentée dans la version d’Israel “IZ” Kamakawiwo’ole, comporte l’une des mélodies les plus belles de l’Histoire de la musique :

La mélodie vocale de “Fear and Force” de Vagabon est un autre très bel exemple :



Maintenant que vous savez ce que sont les mélodies, comment réussir à créer les vôtres ?

3 conseils tout doux pour écrire des mélodies :

1. Commencez par chanter ou jouer accompagné d’une progression d’accord toute simple

Choisissez deux accords de base tels que C et F. Si vous avez besoin d’un petit rappel, voici notre petit guide sur la construction d’accords.

Jouez vos accords sur un instrument tel qu’un piano ou une guitare, ou écrivez-les directement dans votre DAW puis jouez les en boucle sur un joli VST de synthétiseur.

Ensuite, chantez ou jouez de votre instrument avec l’objectif d’écrire une mélodie. Assurez-vous d’être prêt·e à capturer ce que qui vous vient pendant cette étape.

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Donnez-vous du temps et de l’espace pour essayer différentes idées. Les mélodies ont tendance à s’affûter au cours de sessions étendues.

Si votre voix est votre instrument de choix, envisagez de commencer le processus en chantant en yaourt.

Oui, absolument, en yaourt. Bien que cela puisse effrayer vos voisins, sculpter une mélodie se fera plus aisément sans règles prédéterminées ou contraintes qui pourraient vous limiter, telles que des paroles déjà écrites.

Si vous expérimentez assez longtemps avec les mêmes accords, vous vous apercevrez rapidement que le yaourt commencera à former des mots, des phrases et des mélodies tout en impact et cohérence.

2. Donnez vie à vos mélodies avec des accents rythmiques intéressants

Elephant, de Tame Impala, prouve à quel point les rythmes accrocheurs peuvent rendre complètement irrésistibles des mélodies initialement toutes simples.

La coeur des couplets n’est constitué que de deux notes. Cependant, grâce à l’utilisation de la syncopation, celui-ci devient réellement accrocheur et mémorable.


Même la mélodie la plus simple qui soit peut bénéficier de variations rythmiques surprenantes.

Même la mélodie la plus simple qui soit peut bénéficier de variations rythmiques surprenantes.

Si vous écrivez une mélodie complexe qui semble au final un peu terne, essayez de la simplifier en altérant par ailleurs sa forme rythmique.

Faites preuve d’un vrai sens de l’aventure en modifiant la manière dont vos notes s’agencent : créez des variations en les faisant parfois tomber sur des temps fort, et parfois à contre-temps.

Si vous vous rendez compte que vos mélodies ont tendance à systématiquement commencer sur le premier temps, essayez des les faire commencer juste avant ou juste après. Un changement rythmique mineur, en transformant subtilement une mélodie, peut avoir un énorme impact à l’écoute.

3. Prêtez attention au contour mélodique

Le contour mélodique est la forme globale de la ligne tracée par votre mélodie tandis qu’elle monte et descend.

Les lignes mélodiques peuvent se déplacer de différentes façon.

Les mouvements sont qualifiés de conjoints lorsqu’une mélodie se déplace en utilisant des notes consécutives d’une gamme donnée.

Les mouvements conjoints qualifient les enchaînements mélodiques employant des notes consécutives dans une gamme donnée.

Les mouvements disjoints qualifient les enchaînements se déplaçant sur des intervalles plus grands qu’un ton (ou deux demi-tons).

Des sauts trop fréquents peuvent résulter en des phrasés qui seront difficile à percevoir comme une mélodie à part entière.
À l’inverse, les mélodies utilisant des notes systématiquement conjointes peuvent se révéler un peu scolaires et lasser à l’écoute.

Essayez d’équilibrer la quantité d’enchaînements conjoints et disjoints pour que vos mélodies restent fraîches et accrocheuses.

Astuce : une plus grande place sera laissée pour de possibles de grands sauts au sein vos mélodies si vous alternez des mouvements ascendants et descendants.

Si vous en êtes capable, écrivez les mélodies qui vous viennent sur des portées musicales, sur papier. Si vous travaillez sur votre DAW, il existe généralement une façon de transformer l’information MIDI en notation musicale.

Si la plus grande distance entre les différentes notes de vos mélodies est systématiquement petite, il y a de bonnes chances que votre mélodie manque de punch.

L’une des raisons pourquoi “Somewhere Over The Rainbow”, mentionné plus haut, possède mélodie mémorable est entre autres le fait qu’elle commence par un intervalle de 7ème majeure. Si vous mélodies tombent un peu à plat, prenez votre élan et essayez de les faire sauter plus haut.

4. Déterminez le plus fréquemment possible l’harmonie qui sous-tend le morceau

Les mélodies n’existent pas de façon isolée. Il existe une relation forte et mouvante entre votre mélodie et son harmonie sous-jacente.

Les meilleures mélodies tirent leur force de la façon dont elles se déplacent vis-à-vis de l’harmonie du morceau.

Les meilleures mélodies tirent leur force de la façon dont elles se déplacent vis-à-vis de l’harmonie du morceau.

Gardez en tête que les tons d’accords ou chord tones (dans la majorité des cas, il s’agira des degrés 1, 3, 5 et 7 de la gamme dans laquelle s’inscrit l’accord) sont les meilleurs endroits pour faire atterrir une mélodie et en créer un sentiment de résolution.

Prêter attention à la façon dont vous faites passer votre mélodie d’un ton d’accord à un autre est un enjeu vital pour créer de belles mélodies.

Expérimenter, expérimenter et expérimenter encore

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Savoir écrire de belles mélodies n’est pas un talent qui s’improvise, mais il peut certainement être affûté. En travaillant sur la durée, votre sens mélodique va réellement bourgeonner.

Si vous avez parfois l’impression de travailler dur sur des mélodies sans obtenir beaucoup de résultats, souvenez-vous que vous n’êtes absolument pas seul·e.

Le sens mélodique plus grands auteur·ice·s compositeur·ice·s ne ne s’est pas révélé en un jour. Peu à peu, cependant, la combinaison d’intuition et de dévotion a porté ses fruits en leur permettant de développer leur propre voix.

Approcher l’écriture mélodique avec une attitude expérimentale, libérée d’expectatives, est au final la meilleure façon d’engendrer des résultats intéressants qui auront une plus grande force d’impact. Retenez votre souffle et plongez !

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Marc

Curiosité insatiable & maladresse incurable. Live/Tourne-Disque. Rédacteur du blog LANDR en français. SoundCloud Facebook Instagram

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