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Marc Houle: La alquimia de los sonidos

Marc Houle: La alquimia de los sonidos

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El productor canadiense Marc Houle ha sido testigo de primera mano de la evolución de la música de baile durante más de una década. Por el camino, Houle ha ido creando un influyente catálogo repleto de clásicos, publicados por sellos como Minus y Items & Things.

Nos reunimos con Houle (y su perra) para conversar sobre su estudio y su set up de directo, la importancia de los álbumes en el paisaje de la distribución digital y sus influencias durante el proceso creativo.

Tu último proyecto es una serie de álbumes en 3 partes. ¿Puedes explicarnos por qué decides hacer un proyecto tan extenso?

Al principio pretendía hacer un solo álbum. Comencé por grabar un puñado de canciones porque quería hacerlo desde cero. Pero después de 10 o 15 canciones pensé, “un momento, en estas canciones hay tres estilos diferentes, ¿cuáles voy a usar en el álbum?” Simplemente seguí trabajando sin parar. Las canciones seguían perteneciendo a tres estilos diferentes.

Así que decidí hacer tres lanzamientos diferentes para este proyecto. Dado que los había creado al mismo tiempo, decidí publicarlos a la vez, puesto que este proyecto permite escuchar claramente mis tres direcciones estilísticas o  las partes de mi persona.

La primera parte es un poco extraña, oscura y melancólica. La segunda cuenta con más sintetizadores, con muchas melodías, y más centrado en los sonidos de mi equipo de estudio. La tercera, por su parte, es más techno, para que la gente pueda pincharla y bailar. Música de fiesta—por la que más se me conoce, supongo.

¿El proceso de publicar 3 álbumes al mismo tiempo supone una mayor presión?

Es difícil. Ahora que me estoy centrando tanto en ellos, tienen que ser perfectos. Antes, cuando publicaba un álbum pensaba “vale, tiene que haber un par de buenas canciones, el resto servirán de acompañamiento. Añadiré también un par de temas más raros, y ya está.”

Pero ahora que estoy definiendo el álbum mucho más, cada tema tiene que adaptarse al molde. Nunca he pensado así, con lo que resulta un poco complicado. Pero es un buen reto porque me fuerza a indagar más en mis personalidades.

¿Qué importancia tienen las plataformas como Beatport en un proyecto de este tipo?

Las webs como Beatport han dado a luz a un millón de DJs que no existirían sin ellas. Es algo positivo porque cada vez más gente se está implicando en el mundo de la música, creando estilos diferentes y llevando la escena hacia adelante. Es cierto que la música de baile necesitaba algo así.

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¿Qué opinas de la relación entre el single y el álbum entero en el contexto actual de la música electrónica?

Como veterano de la música de baile, me encantan los álbumes. Dicen mucho más que una canción. Muchas veces escuchas una canción, como por ejemplo “White Horse”. If you wanna ride/ride the white horse, esa canción.

Acabé escuchando todo el álbum porque me encantaba esa canción. Escuché el resto del álbum y no tenía nada que ver con esa canción. ¿Qué ocurre? Fue un poco decepcionante, y no acabo de entender a esa banda. Pero por ejemplo, Japan, ”Gentlemen Take Polaroids,” es un álbum tan genial que acaba siendo parte de… no sé, me llega más. No sé muy bien cómo explicarlo.

Creo que te voy siguiendo…

Sí, ¿pero cómo lo digo?  Creo que se convierte en algo más substancial. El álbum es una unidad… es un movimiento en lugar de una sola pieza.

Parece que así suena más claro.

Mientras hablamos, estoy lanzando la pelota a mi perra—Ocupo mi cuerpo para que mi mente se puede concentrar mejor.

¡Así es como se debe de hacer una entrevista! Estábamos hablando de lo difícil que es publicar un single hoy en día…

Ah, sí. Por ejemplo, cuando recibía a gente en casa, solía poner un disco. Kraftwerk “Computer World,”por ejemplo. Escuchábamos todo el disco: cara A y cara B. La gente se sentaba a charlar. Ahora, pones Spotify, Apple Music o similar, y pones una lista de reproducción, o una radio, y es un caos, ¿me entiendes?

Sí, lo es.

La vibración ocupa toda la casa, y la gente corre para elegir la siguiente canción. “¡Oh, voy a poner esto, tengo que ponerlo!” Supongo que es más excitante, y hace que sea más dinámico ya que la gente se implica en lugar de sentarse y relajarse.

Pero, ¿te parece excesivo?

No acabas logrando lo mismo al final de la noche. Supongo que no te marchas con  la misma sensación intensa que antiguamente. Todo es temporal.

Sí, a menos que te tomes el tiempo necesario para analizar cada canción, ¿no?. No vas a volver a escuchar todo el disco, a pesar de que está al alcance de tu mano.

Sí. Resulta más fácil olvidar una buena canción que has escuchado. Se suele diluir entre todos los cambios de géneros y estilos. Es como si tu cerebro olvidara lo que ha escuchado hace tres minutos. Es temporal, mientras que si escuchas un álbum, los sonidos se refuerzan a sí mismos. Con el tiempo, las emociones se arraigan, y los sentimientos también. Todo es más permanente. Por supuesto, ambas formas de escuchar tienen sus ventajas e inconvenientes. Por desgracia, ya casi nadie pone discos enteros. ¿Para qué?

Es como si tu cerebro olvidara lo que ha escuchado hace tres minutos. Es temporal, mientras que si escuchas un álbum, los sonidos se refuerzan a sí mismos.

¿Cómo se traduce un proyecto de este tipo al escenario?

Mis versiones de directo son mucho más ruidosas e intensas. Hay muchas más baterías. Hay mucha más energía porque si estoy sentado en un avión escuchando una de mis canciones y hace [pum, pum, pum], y tiene reverbs, distorsiones y delays, pienso “Ugh, vaya porquería.” Me vuelvo loco y cambio de canción.

Pero, cuando estoy en el escenario tocando una canción más relajada, melancólica y con muchos bajos, la gente solo mueve la cabeza. No baila, ¿sabes? Así que tienes que darle un poco más de vida cuando tocas en directo.

Hay tanto ruido en un club que necesitas algo más potente que el ruido inicial. Algunos DJs prefieren sentarse y poner música relajante, pero no sé, yo necesito energía, necesito fiesta, necesito… ¡eso, fiesta!

Alguna vez has mencionado que la gente siempre quiere hablar de tecno o nueva música contigo, pero se olvidan de la importancia de la música new wave, punk o incluso más mainstream, esa idea me llama la atención.

Ocurre mucho. Hoy mismo, ha venido un amigo y hemos puesto un disco de new wave. He tenido que pararlo un par de veces porque he escuchado algún elemento que me ha gustado y he dicho “Ey, ¡ese clap mola! Tengo que recordarlo.”

Puedes encontrar notas en cualquier lugar. Por ejemplo en una vieja canción de country, que tiene un snap con spring reverb de los años 50, y piensas, “Wow, ¡que bueno! Tengo que experimentar con ese tipo de sonidos.”

Así que incluso en la ‘peor’ música… como el top 40 que suena en el centro comercial, puedes escuchar sonidos interesantes—Tal vez se trate de la forma en que la línea de bajo cambia, o algo así. Hace que escuchar música resulte divertido, sin importar de qué tipo de música se trate, siempre y cuando la analices.

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Simplemente seguí trabajando sin parar.

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¿Entonces tomas ese snap o ese reverb y los sampleas?

No, no, no. Soy demasiado perezoso como para descargar una canción y samplearla. Es más sencillo hacer algo… similar, pero a mi manera.

Simplemente grabo un snap y añado un spring reverb. Es mucho más rápido que descargar “King of the Road”, y cortar y pegar.

¿En qué medida crees que la tecnología ha hecho evolucionar la música de baile? ¿Sigue habiendo innovación?

La gente lleva planteándose estas cuestiones desde los comienzos. Siempre va hacia adelante. Y cada vez más rápido de lo que creemos.

Si miras atrás y te fijas en cómo se hacían antes las cosas, bastaba con una grabadora de cassette con un teclado y una caja de ritmos en casa de tus padres. ¡Así se hicieron la mayoría de álbumes de baile más originales!

Ahora es una locura. Todo el mundo tiene acceso a todos y cada uno de los compresores que existen. Es increíble. Las posibilidades son ilimitadas. Antes, ibas a una tienda de segunda mano y veía qué sintetizadores tenían. “Oh, ¿vendes este sintetizador? Genial” Y hacías tres discos con el mismo sinte.

¿Crees que el enfoque creativo nunca ha sido tan importante como hoy en día?

Sí, porque antes solo tenías un sintetizador que acababas conociendo a la perfección. Conocías cada uno de sus botones y sus sonidos. Y, era bastante guay. Ahora abres cualquier DAW y navegas entre millones de sonidos. Supongo que ya no te conviertes en un especialista del diseño sonoro como hace unos años.

Era un proceso muy interesante. Comenzabas con un sonido en mente, y luego lo creabas y lo añadías a tu canción. Hoy en día, no sabes qué sonido quieres, así que escuchas miles de presets hasta encontrar un sonido que te gusta. Es una forma diferente de hacer las cosas.

Me gusta entrar en el estudio, echar un vistazo a mis sintetizadores y pensar, “Vale, necesito algo que brille en la frecuencia media, así que encenderé el DX7 o el Mono/Poly, porque son perfectos en este rango.” No existe una sola forma de hacer las cosas bien, pero hoy en día el proceso es totalmente diferente.

Sí. Ahora existen muchas formas nuevas y diferentes de crear.

Existen muchas formas de hacer cualquier cosa hoy en día. Mola porque puedes elegir tu propio camino. Tienes muchas más posibilidades…

Sí, está claro, pero con todas las herramientas que hay es difícil saber cuando un proyecto está totalmente terminado. ¿Tienes algún método para decidir cuando algo está terminado?

Me siento en mi estudio y pienso “Vale, estas canciones son geniales para un álbum. Este álbum es perfecto.” A continuación las pongo en una carpeta para escucharla, y espero un par de días. Necesito un par de días para borrar los prejuicios de mi mente y escuchar algo con los oídos frescos. Vuelvo a escucharlo, y muchas veces acabo pensando “¿Qué? ¿Qué es esto? Vaya basura”, así que lo sustituyo, o vuelvo a hacer todo el arreglo, y lo dejo estar un par de días más y vuelvo a repetir el proceso. Al final, llega un momento en el que vuelvo a escucharlas y pienso “Todo está bien”. Y así sé que he terminado.

Parece un proceso bastante bueno. Al fin y al cabo, tú eres tu mejor crítico…

También invito a alguien a mi estudio y escuchamos las canciones juntos. Por algún motivo, cuando hay alguien más en la sala, escucho a través de sus oídos y me imagino en qué estará pensando. Esto permite escuchar errores en tus canciones que no podrías haber escuchado si estuvieras solo.

Puedes sentir si una parte de la canción es demasiado larga porque te sientes mal por la persona que la está escuchando. Tomo nota de todas estas cosas, y luego vuelvo al tajo y recorto estas partes o cambio algunos sonidos. Me es de gran ayuda. Es un fenómeno paranormal que parece funcionar conmigo.

… antes solo tenías un sintetizador que acababas conociendo a la perfección. Conocías cada uno de sus botones y sus sonidos.

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Cuéntame cómo es crecer en Windsor y Detroit y cómo has progresado hasta llegar a donde estás ahora.

En Windsor había casi prácticamente bandas de rock y todo eso en los noventa, así que lo primero que hice fue comprarme una batería y entrar en una banda. Durante 15 años fui batería, y era bastante guay.

Pero al mismo tiempo , mi hermana comenzó a interesarse en los sintetizadores y los teclados. Y eso despertó mi interés. Hice que mis padres me compraran un Casio cuando era pequeño. Durante mi etapa en una banda de rock, también tocaba música de sintetizadores de los ochenta. Mi hermana me introdujo a Depeche Mode y Kraftwerk, entre otros, así que me compre una pequeña radio y me dediqué a grabar mi Casio durante meses.

Con el tiempo, descubrí toda la escena del techno de Detroit. Mis amigos comenzaron a acudir a estas fiestas de techo, y yo iba con ellos. De repente lo entendí, “madre mía, esto es lo mejor de cada mundo.” Tenían todas las baterías y elementos rítmicos que me gustaba tocar, pero también sintetizadores y cosas electrónicas. No tenía ni idea de que ese sonido existía. En la radio se escuchaban cosas electrónicas pero nada que ver con la pureza de un beat techno durante seis horas seguidas.

En cuanto fui a Detroit y escuché aquella música, super que era lo mío. Comencé a comprar más teclados y cajas de ritmos para poder replicar lo que escuchaba y divertirme haciendo cosas nuevas. Y nunca paré.

¿Y salías de fiesta tanto como podías?

Sí. Todos teníamos coches. En Windsor, estamos a cinco minutos del centro de Detroit, así que la idea surgía y cinco minutos más tarde estábamos en una fiesta.

Cada jueves, viernes, sábado, domingo… Íbamos a todas las fiestas underground, y nos lo pasábamos genial. Fue como nuestra zona de juegos durante diez años.

Pero nunca pensamos “¡Este lugar es especial! ¡Es Detroit! No hay nada en el mundo que se le parezca”. Simplemente pensábamos que se trataba de algo que existía en todas partes.

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Debió ser una experiencia bastante formativa.

Era increíble. Las fiestas a las que fui… Nunca he vuelto a ver nada igual en ningún lugar del mundo.

¿Qué te llevó a Berlín? ¿Cómo fue esa transición?

Cuando estaba en Canadá, había publicado un disco en Minus, y Rich [Hawtin] me preguntó “Marc, ¿quieres venir a actuar en la Beat Street Party en Berlin?” Y respondí, “¿Qué? ¿Me vas a pagar el vuelo?” “Por supuesto.” Pero mi siguiente pregunta fue “¿cómo se toca en directo?” Siempre había sido una persona de estudio.

Rich tenía… el nuevo aparato Korg USB que acababa de salir. Debía ser allá por 2004. Me dijo “toma este teclado. Usa este programa. Se llama Ableton. Acaba de salir y es muy bueno. Simplemente pon tus canciones en Ableton, córtalas en piezas, usa el teclado, mapea todos los controles y listo.”

Durante un par de meses trabajé para descubrir cómo hacer un live set con delays, reverbs y todo eso. Acabé actuando en la fiesta y lo cierto es que fue una locura.

En Detroit, la gente simplemente baila durante ocho horas en una habitación oscura. Pero en Berlín, todo el mundo está loco: la gente baila colgando del techo y gritando. La primera vez pensé “¿Qué onda? ¿Qué está pasando? Estoy confundido. Esto es una locura. Es tan diferente.”

Entonces todo comenzó con unas pocas actuaciones?

Después de la fiesta, Rich me dijo “Marc, si quieres hacer más directos, podemos conseguirte unos cuantos por Europa.”

Llamé a Canadá y dije, “Ey, no voy a volver a casa.” Y llevo girando desde entonces…

Por cierto, mi perra aún no ha parado de correr.

Las entrevistas deben de ser un buen ejercicio para ella.

Tengo que hacer esto porque así luego puedo ir al estudio y trabajar. Si no está lo suficientemente cansada, me molestará para que la vuelva a sacar y jugar un poco más. De este modo, dormirá mientras yo hago música.

Estoy seguro de que odia el techno, así que hace todo lo posible para que no haga más.

Tal vez esté pensando “Marc, siempre hablas del new wave. ¿Por qué no vuelves al rock and roll de una vez por todas?”

Seguro que sí.

Llamé a Canadá y dije, “Ey, no voy a volver a casa.” Y llevo girando desde entonces…

Marc Houle Borrowed Gear — 2004