Luke Rathborne: El éxito del DIY en tiempos de streaming
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Antes, ser independiente era sinónimo de “no haber encontrado un sello” o “no ser lo suficientemente bueno” o “nadie escucha esa música”. Pero con el enorme crecimiento del streaming y un puñado de herramientas que permiten a los artistas hacerlo por su cuenta, el término ‘independiente’ se ha convertido en una medalla de honor—Y aún más importante: una carrera musical sostenible.
Luke Rathborne es músico independiente por elección propia. ¿Por qué? Porque en la industria musical actual, es un camino lógico…
El cantante y compositor neoyorquino crea una música irresistible que captura los sueños lúcidos que flotan entre la habitación y el garage—Un pulido tintineo que permanece en tu cabeza durante días.
Pero lo que en realidad permite a Rathborne crear música humana y orgánica, es su trayectoria profesional como artista independiente. No existen barreras entre Rathborne y tú, el oyente. No hay intermediarios. Solo él y su sonido. Su viaje desde las bandas Punk hasta la radio de la universidad in Maine ha hecho que su trabajo tenga un objetivo claro y único: Llevar su música al máximo de personas posible a su manera.
Y eso es lo que ha hecho. Una combinación de autopublicación, autopromoción y autogestión y todos los ‘auto-‘ que se te puedan ocurrir han permitido que Rathbone controle su propia música y preserve la identidad detrás de su sonido—consiguiendo, por el camino, más de 10 millones de reproducciones en Spotify. Y son los artistas DIY como Rathborne los que han inspirado los Promolinks de LANDR —una herramienta que permite a los artistas compartir sus enlaces de streaming en una sencilla página.
Rathborne es el ejemplo perfecto de la imagen presente y futura del músico independiente moderno. Nos reunimos con Rathborne para descubrir cómo ha hecho que funcione, por qué no hay mejor activo que uno mismo, y el surgimiento de un nuevo modelo de ‘éxito’ como consecuencia de la revolución del streaming.
¿Quién eres, de dónde eres y cómo empezaste en esto de la música?
Crecí en Maine y comencé a actuar con bandas de punk a los doce años. Tenía acceso a la radio local de la escuela y descubrí que también había un estudio. A partir de ahí, mi curiosidad por grabar música fue creciendo y decidí tenía muchas ganas de hacerlo. Me di cuenta de que si presentaba un programa de radio tendría acceso al estudio de grabación. Y así es como grabé mi primer disco. Debí tardar como dos años en acabarlo. Así nació mi primer trabajo, After Dark.
Después de graduarme, me mudé a Nueva York y utilicé After Dark para comenzar mi carrera en el mundo de la música. A partir de ahí, continué grabando discos a todas horas, con productores y a veces contribuyendo en otras producciones.
¿Supongo que de ahí viene el enfoque DIY de tu música?
Sí. Un poco más tarde fundé un sello llamado True Believers, en el que publiqué mi álbum Soft, y algunos otros singles. El disco funcionó bastante bien en lo que llamaría “la nueva plataforma musical”: el streaming y todas esas formas “nuevas” de descubrir y escuchar música.
Pero para hacer que todo funcione, también he ido de gira por Europa y EEUU. Cuanta más música publicaba, más ideas me surgían sobre cómo promocionar un disco, cómo llevarlo de gira, cómo publicarlo, o simplemente cómo hacer que la gente lo escuchara.
Me reuní con muchos A&Rs y gente de sellos discográficos, pero al final me pareció más lógico autodistribuirme y autopublicar mi trabajo. He probado cosas diferentes, y publicado proyectos con otra gente, pero al final acabo por hacerlo todo por mi cuenta.
Inevitablemente, la persona que más tiempo tiene para ti eres TÚ MISMO. Los tiempos cambian, pero siempre he tenido claro que, como músico, lo haría todo yo mismo.
“Acabas avanzando más rápidamente porque no tienes que depender de cientos de personas para algo que al fin y al cabo solo depende de ti.”
¿Entonces enfocas tu música siendo consciente de que siempre podrás ocuparte del resto tú mismo si eres capaz de ello?
Totalmente. La idea de sólo tener que confiar en ti mismo es muy diferente. Acabas avanzando más rápidamente porque no tienes que depender de cientos de personas para algo que al fin y al cabo solo depende de ti.
Has grabado tu último trabajo en el estudio de Philip Glass. ¿Cómo fue el proceso y cómo ocurrió?
Lo cierto es que trabajar en el estudio Looking Glass es algo que ocurrió de forma bastante orgánica. Me acerqué al estudio para ver si podían ayudarme a reparar un micrófono. El técnico estaba en el estudio cuando fui a conocerle y por eso acabé trabajando allí.
Así es como acabé trabajando con miembros de la Filarmónica de Brooklyn también. Tenía muchas ganas de añadir clarinetes en una canción y pude conseguir una sección de viento-madera gracias a los contactos del estudio. Me dijeron “aquí están todos los clarinetistas de la ciudad” (risas).
Los músicos de esa lista con los que pude conectar son algunos de los mejores del mundo. Al final no fueron solo clarinetistas: acabamos grabando con Julia Kent al chelo, Tahrah Cohen a la batería y Maxim Moston al violín. Ese tipo de sesiones… ¡Son verdaderos genios!
¿Cómo crees que la distribución DIY abre un abanico de posibilidades para los artistas como tú?
Me parece que la distribución digital se ha convertido en la forma más importante de llevar tu música al público.
Distribuir un lanzamiento de forma física es importante, pero ¿dónde piensas distribuirlo? Ya no acabará en Tower Records. Eso ya es cosa del pasado. Es importante que los músicos comiencen a concebir el mundo digital como la vía de distribución más importante.
Creo que uno de los puntos fuertes de LANDR es el hecho de que conserves todos tus royalties, algo esencial si tratas de vivir de ello por ti mismo. Si lo haces todo tú mismo, es necesario un servicio de este tipo.
Con los servicios de streaming, los artistas comenzarán a descubrir un panorama completamente nuevo y que existe una forma de monetizar su música.
“Cuanta más música publicaba, más ideas me surgían sobre cómo promocionar un disco, cómo llevarlo de gira, cómo publicarlo, o simplemente cómo hacer que la gente lo escuchara.”
¿Cómo conseguiste sacar partido a plataformas como Spotify? ¿Cómo se lo explicarías a un músico que aspira a alcanzar ese objetivo?
Uno de los motivos por los que siempre he publicado y distribuido mi música es que me he topado con muuucho rechazo. Puedes dejar que ese rechazo te defina. Pero al mismo tiempo siempre hay una voz en mí que dice “Mi conexión con está música es lo suficientemente profunda, y se que muchas otras personas pueden conectar de la misma forma”.
El problema de involucrar a otras personas es que solo tú mismo eres capaz de entender esa voz personal. Hacerlo tu mismo te permite creer en el valor de tu música y en que merece la pena compartirla.
Personalmente lo veo como una forma de evitar una tercera persona que podría acabar impidiéndote hacer algo, o decirte que tu arte es inviable.
Ser mi propio sello siempre ha ido de la mano de confiar en el valor de la intuición artística. Ser propietario de tu música y creer apasionadamente en algo que has creado siempre es mejor que hacerlo teniendo un puñado de prioridades y motivaciones diferentes. Al fin y al cabo, tu mejor activo eres tú mismo.
Puedes reducirlo todo a ‘tienes que hacer muy buena música.’ Te permite volver a centrarte en la importancia de crear música en la que crees. Te permite centrarte en tus seguidores y encontrar formas de mostrar tu música a la gente realmente interesada. ¡Tu trabajo vuelve a ser ese!
“Al fin y al cabo, tu mejor activo eres tú mismo.”
¿Crees que los gustos y el boca a boca son ahora más importantes?
El hecho que la música se haya democratizado tanto es realmente genial. A eso me refiero cuando digo que tú eres tu mejor activo. Alguien en una pequeña sala te mirará, y te verá a TI. No a una tercera persona que te representa. Es mucho más humano.
La democratización ha permitido que la buena música supere a los negocios. Nos encontramos en un buen momento por este motivo. Anteriormente, los “negocios” eran más importantes que la conexión genuinamente humana con la música que por fin podemos disfrutar de nuevo.
¿Y cuál es tu objetivo clave con todo ello?
Mi objetivo siempre ha sido el mismo: Llevar las canciones que compongo al máximo de gente posible. Siempre me ha parecido sano y positivo escuchar canciones antiguas. Opino que si estas canciones me pueden ayudar, el hecho de que mi música esté disponible para el máximo de gente posible es una buena oportunidad de ayudar a otras personas a través de mis creaciones.
Es la idea de la autoexpresión, hacer algo en lo que crees y ofrecer a otras personas la ocasión de responder. Ya no es irrealista pensar que puedes vivir gracias a esa conexión. Ese es mi sueño.
Hoy en día puedo crear sabiendo que sacaré un disco el año que viene, pero en el plano inmediato me puedo centrar en publicar singles y hacerlos llegar a la gente a la que mi música podría ayudar.
No sé si es algo que viene del punk o algo por el estilo, pero me encanta hacer algo que alguien ha dicho que era imposible. Me centro mucho en eso. El streaming en casi la misma forma de rebelión que cuando una sala anula tu concierto y le dices “de acuerdo, entonces arrendaremos una iglesia y lo haremos allí.”
Ahora mismo en lo que a la publicación de música respecta, no existen normas ni leyes. Puedes hacer lo que quieras.
Mi ethos, para bien o para mal, siempre ha sido: No hay límites. Inevitablemente, esto te convertirá en un verdadero artista independiente, porque se trata de una mentalidad independiente. Y al final, ese enfoque es mucho más llamativo para el público. Las puertas del streaming están abiertas, puedes convertir esa mentalidad en tu carrera musical.
Escucha a Luke Rathborne en su página Promolinks de LANDR . Síguelo en Spotify, Instagram y Twitter.
Fotografías de Landon Speers.
