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5 momentos en la historia de la cinta magnética que marcaron la música moderna

5 momentos en la historia de la cinta magnética que marcaron la música moderna

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Antes de los sintetizadores, los experimentadores de la electrónica ya trabajaban con otro instrumentos—la grabadora de casete.

Antes de la invención de la grabación, la excelencia, virtuosidad y autenticidad musical consistían e tocar unlive instrumento. De hecho, las grabaciones eran percibidas como una actividad ‘deshonesta’ por algunos artistas al principio. Hasta que cayó en manos de aquellos con voluntad de experimentar…

Por supuesto, la cinta magnética no es el primer medio de grabación—antes existían los cilindros de papel o cera y los discos de vinilo. Pero la cinta magnética tenía una excelente respuesta de frecuencia, y era barata, y fácil de cortar y empalmar. En otras palabras, era el paraíso de los amantes de los experimentos.

La posibilidad de grabar y especialmente manipular sonidos era un concepto completamente nuevo surgido gracias a la casete. Era posible sacar la música de su tiempo y lugar, escucharla de nuevo, recortarla y convertirla en algo nuevo. La grabadora de casete se convirtió en algo completamente nuevo, un instrumento.

En el panorama global de la música, fue el principio de una nueva era de creatividad—y es algo que se sigue notando.

He aquí 5 momentos clave en la historia de la música con cinta de casete que cambiaron la forma en que hacemos música hoy en día.

La primera composición de música electrónica

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“La cuna de la música electrónica es El Cairo” escribió Rob Young en The Wire.

Muchos coronan a Pierre Schaeffer como originador de la música electrónica. Pero la primera composición electrónica del mundo fue en realidad “Ta’abir Al-Zaar”, creada en 1944 por el experimentador Egipcio Halim El-Dabh en 1944.

““La cuna de la música electrónica es El Cairo” escribió Rob Young en The Wire.

El-Dabh usó una grabadora para capturar elzaar, una ceremonia de curación femenina con percusión, flautas y canto. Volvió a la estación de la Radio de Oriente medio y usó cuartos de echo y reverb para manipular los timbres. Aisló, modificó y eliminó ciertas frecuencias.

Luego transfirió su composición a una grabadora de carrete, editó la composición, y la renombró “Ta’abir Al-Zaar” — La expresión del Zaar. La pieza original no se conserva, pero un extracto de 2 minutos aparece en un CD llamado ‘Wire Recorder Piece.’

El-Dabh es más conocido por sus experimentos en los EEUU durante los años 60 en el Columbia-Princeton Electronic Music Center— el centro de investigación de música electrónica más antiguo de los EEUU. Durante un breve periodo temporal fue asistente de Igor Stravinsky y trabajó junto a gente como John Cage, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening.

‘Tape Music An Historic Concert’

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Vladimir Ussachevsky y Otto Luening se encuentran entre los primeros compositores estadounidenses en integrar la música en casete a las actuaciones en directo y las grabaciones en los EEUU.

En 1952 Luening y Ussachevsky presentaron el primer concierto de música en casete en los Estados Unidos, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El resultado fue publicado en vinilo en 1968 y llamadoTape Music An Historic Concert.

¿Qué resulto tan impactante en ese concierto? Fue une muestra de las posibilidades creativas de la cinta y su compatibilidad con los instrumentos clásicos — distorsiones, superposiciones, ecos y transformaciones de timbre fundidos con una composición orquestal.

El resultado fue un inquietante y completamente nuevo tipo de sonido para la época. Marcó el principio de un capítulo americano en el legado de la música en cinta, que ya se estaba desarrollando en Francia, Reino Unido y otras partes del mundo.

“Al igual que un pinto pinta (sus) cuadros directamente con colores, el músico compone (su) música directamente con el tono…” Leopold Stokowski

El famoso director Leopold Stokowski — que acudió a la representación —describió la música en cinta como:

“Música que es compuesta directamente con sonidos en lugar de estar escrita en papel y después convertida en sonido. Al igual que un pinto pinta (sus) cuadros directamente con colores, el músico compone (su) música directamente con el tono…”

A finales de los 50, Ussachevsky y Luening fundaron el influyente Columbia-Princeton Electronic Music Center.

Pierre Shaeffer y la Musique Concrète

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Fundado en 1951, el Groupe de Recherches Musciales (GRM) fue un estudio basado en la sede central de Radiodiffusion-Télévision Française (RTF) en Paris. El GRM es el histórico grupo musical de electroacústica fundado por los compositores Pierre Schaeffer y Pierre Henry, y el ingeniero Jacques Poullin.

La Musique concrète se encontraba entre los primeros movimientos en añadir grabaciones y sonidos electrónicos al conjunto de herramientas de un compositor.

Este estudio permitió a Pierre Shaeffer continuar a desarrollar su teoría de la musique concrète: una música que usaba sonidos grabados como base material para componer. Shaeffer invitó a la escucha acusmática —escuchar sonidos por sus cualidades acústicas y rítmicas sin saber o tratar de averiguar qué los producía. La cinta magnética tuvo un papel fundamental como medio de grabación y manipulación de estos experimentos.

Las técnicas desarrolladas por Shaeffer para editar sonidos constituyeron las bases del sampleo y el enfoque a la música de ordenador que todos usamos hoy en día, especialmente en lo referente a la alteración del pitch, el voltear una grabación, el recorte o los filtros, por mencionar algunos…

La Musique concrète se encontraba entre los primeros movimientos en añadir grabaciones y sonidos electrónicos al conjunto de herramientas de un compositor. Fue la precursora de los sonidos generados electrónicamente, pero las técnicas aún resuenan en la producción musical actual.

Pauline Oliveros y el Tape Music Center

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Sobre el mismo período de los años 50, el Tape Music Center fue co-fundado en San Francisco por la vanguardista compositora y acordeonista Pauline Oliveros.

Oliveros adoptó un enfoque diferente a la composición:

“Mientras todo el mundo cortaba y pegaba materiales, yo encontré una forma de improvisar con la electrónica. Este sistema de improvisación se basaba en el uso de diferentes tonos entre osciladores. Situar osciladores por encima del rango audible y usar los diferentes tonos entre los osciladores en un sistema de delay de cinta magnética causaba un puñado de frecuencias rítmicas con la polarización de la grabadora. Así es como hice mi primera música electrónica.”

“Mientras todo el mundo cortaba y pegaba materiales, yo encontré una forma de improvisar con la electrónica.” Pauline Oliveros

Oliveros comenzó entonces a mostrar sus pioneras técnicas en directo con cintas magnéticas. Usaba grandes grabadoras,con ruedas de gran tamaño. Las cintas iban de una rueda a otra, e incluso a una tercera. Todas la grabadoras grababan y alimentaban la siguiente grabación, y volvían a la primera.

No usaba bucles, simplemente dejaba que la cinta corriese tanto como podía. En las manos de Oliveros, la grabadora de cinta se convirtió en un instrumento para actuar que iba mucho más allá de un aparato de grabación. Esto marcó tendencia para una larga tradición de “mal uso” u la reinvención del equipo de grabación.

Recopiló sus técnicas en un ensayo de 1969: “Tape Delay Techniques for Electronic Music Composition.”

Delia Derbyshire y el BBC Radiophonic Workshop

Delia Derbyshire comenzó a trabajar en Londres para el BBC Radiophonic Workshop en 1962. Derbyshire usaba el Workshop como un taller para sus innovadoras ideas. Utilizaba las técnicas de la musique concrète que usaban sonidos encontrados—como el punteo de una cuerda como punto de partida para una línea de bajo junto con tonos sinusoides y ruido blanco filtrado, recortado y modificado.

“Este siglo, la tecnología ha alcanzado a Delia. Ahora podemos hacer digitalmente lo que Delia hacía en términos analógicos. Hoy en día Delia se aburriría” Mark Ayres

Su trabajo más famoso es la canción principal de la serie Doctor Who, uno de los primeros temas para televisión hechos completamente con electrónica.

Cada nota ha de ser creada con un trozo de cinta separado. Luego, cada pieza era pegada para crear un ritmo y melodía. No había varias pistas en aquella época, así que la mezcla final se creaba reproduciendo varios pedazos de cinta a la vez, con la esperanza de que se mantuvieran sincronizados de inicio a fin.

“Este siglo, la tecnología ha alcanzado a Delia. Ahora podemos hacer digitalmente lo que Delia hacía en términos analógicos. Hoy en día Delia se aburriría”, explica Mark Ayres en el documental The Delian Mode.

Se lo debemos a la cinta.

El estilo musical originado por el BBC Radiophonic workshop, el Tape Music Center, el GRM y otros en aquel período creó un legado estético y técnico que inspiró a varias generaciones de artistas. Creó los fundamentos de cómo creamos música hoy en día.

El famoso compositor alemán Karlheinz Stockhausen ya comentó la importancia de la cinta:

“Esto es lo más importante: por primera vez en la historia tenemos la posibilidad de parar el sonido durante un momento y trabajar en él. Tradicionalmente, el sonido se movía constantemente. Una vez se había producido, ya no estaba.”

La cinta es la tecnología que nos dio la grabación, el sampleo, el loopeo, el delay… Así que la próxima vez que pienses en lo obsoleto que está este formato en la era digital, no olvides que su legado marca cada día en la historia de la música moderna .

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Joan

Amante del sampling, los breaks y el reconfortante calor del Rhodes. Responsable de la comunidad de LANDR en español. SoundCloud

@Joan

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