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Da LANDR
Envelopes ADSR: Como Criar o Som Perfeito [Infográfico]
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ADSR que dizer: Attack, Decay, Sustain e Release, em inglês.
Trata-se de um conceito obrigatório para todos os tipos de produção musical. Juntos, eles compõem o envelope ADSR.
Os envelopes ADSR são aplicáveis a todos os sons, independentemente do tipo de fonte utilizada. Os controles ADSR são mais comumente encontrados em sintetizadores VST, sintetizadores de hardware e em samplers.
Saber o que cada parte do ADSR significa é um conhecimento essencial para os criadores de música – e saber como e quando usá-los é ainda mais.
Este guia serve como uma ajuda para entender o que os envelopes ADSR realmente fazem.
Além disso, trataremos sobre algum dos usos mais comuns do ADSR e sobre como ajustar os parâmetros para obter o som que você procura.
Então mãos à obra! Sim, este é, finalmente, um guia de ADSR simples e que faz sentido.
O que é ADSR?
ADSR consiste no ataque, decaimento, sustentação e liberação de um som (attack, decay, sustain and release, em inglês). Um envelope ADSR define como um som se projeta ao longo do tempo.
Todo o som pode ser descrito usando o conceito ADSR.
Por exemplo: um latido de cachorro raivoso tem um attack rápido e um release rápido, ao passo que a porta estridente que precisa ser consertada na sua casa tem um attack lento com sustain médio e um release longo.
Confuso? Talvez estamos indo rápido demais… Vamos começar com o básico.
Os envelopes ADSR são mais facilmente compreendidos quando ajustamos os sons de um sintetizador. Dessa forma, vamos abordar o ADSR neste artigo tendo em mente os sons desse instrumento. É bom lembrar que os envelopes ADSR também são usados com efeitos, samples e até com LFOs.
Aqui está o que cada parte do ADSR representa:
Como usar o ADSR
Agora que você sabe o que é o ADSR, é a vez de descobrir como e quando usar cada parâmetro para obter o som perfeito.
Existem infinitas aplicações para o ADSR e algumas delas são especialmente úteis, independentemente do instrumento com o qual você está trabalhando.
A aplicação correta do ADSR nem sempre trará um efeito dramático – mas certas mudanças sutis feitas com esse recurso resultam em uma otimização geral da qualidade de suas mixagens e produções.
Dito isso, eis aqui 5 maneiras úteis de usar o ADSR durante todo o seu projeto:
1. Use um longo tempo de attack e um longo tempo de release para criar belos pads
Pads robustos dão a acentuação perfeita para qualquer faixa. Você pode criá-los ajustando os tempos do ADSR, essa é uma maneira super fácil de criar seus próprios sons personalizados.
Faça isso com seu sintetizador de hardware ou sintetizador VST favoritos.
Para deixar claro, vamos comparar as mesmas notas MIDI, mas com diferentes tempos de ataque e lançamento. Aqui está o padrão MIDI que utilizamos como exemplo.
Utilizamos o synth Operator que já vem integrado no Ableton Live. Os mesmos conceitos funcionam para qualquer sintetizador VST e DAW com controles ADSR, basta experimentar com as definições para encontrar o que soa bem.
Use um tempo médio de attack com médio decay. Defina um tempo de release longo para obter alguns pads marcantes e dar vida á sua próxima faixa. Veja como definimos o ADSR e como ele soa:
Se você definir o attack e o release como rápidos, seus pads irão soar deslocados. Eles não terão esse efeito exuberante, mas são ótimos para outros sons mais densos ou efeitos de FX. Eis as definições utilizadas e a sonoridade obtida:
Use seus pads personalizados como leads ou como graves baixos. Você decide. Independentemente de como você o aplica, o ADSR facilita muito a criação de pads personalizados.
2. Mantenha seu tempo de attack em zero com um release rápido para obter um som de staccato
Inicie seu hardware favorito ou sintetizador VST. Mantenha o tempo de attack em zero para obter um som com alcance imediato. Um attack rápido é perfeito se você procura inserir um efeito staccato em um som específico.
Tempos de attack curtos também são perfeitos para sintetizar sons percussivos como tons, caixas e chimbais. Esse também é o segredo para criação de marcações pulsantes no trance.
Eis aqui uma outra comparação utilizando as mesmas notas MIDI, mas com diferentes tempos de attack e release. Usamos o Ableton Live’s Operator novamente.
Defina seu attack como zero e um release rápido para para criar marcações em staccato. Essas são as definições utilizadas e a sonoridade obtida:
Se você definir um tempo de attack mais longo com um release também longo, você terá um glissando. O glissando produz um efeito de slide entre as notas. Essas são as definições utilizadas e a sonoridade obtida:
Dica: Crie um som percussivo com um attack rápido e com um tempo de release lento para inserir algumas terminações agradáveis em um som de caixa ou de chimbal.
3. Faça com que suas percussões de registro alto tenham uma terminação ressonante com um tempo de release mais lento
AUm outro truque para a percussão sintetizada é aumentar o tempo de release.
Se você sintetizar sons percussivos como um chimbal, crash ou caixa aplicando um longo tempo de release, você obterá terminações longas e agradáveis. A terminação (ou cauda) é bastante óbvia na forma de onda demonstrada abaixo:
Veja como soa nossa forma de onda com terminação longa:
Manter as terminações em seus sons confere à sua trilha uma textura e um espaço adicionais sem que haja a aplicação de efeitos imediatamente.
Dica: Experimente reverter sons percussivos com tempos de release mais longos para obter um bom efeito de gradação.
4. Ajuste o seu attack para remover cliques ou ruídos no início dos samples
Essa é uma técnica formidável quando utilizamos uma MPC. Ao cortar um sample a partir de uma forma WAV, a ocorrência de cliques no começo do sample é um problema recorrente.
Estender o tempo de attack eliminará os cliques e os ruídos iniciais que você pode estar ouvindo. Trata-se, basicamente, de um pequeno fade in automático.
Aqui está como concebemos isso utilizando o Simpler do Ableton Live. Experimente em qualquer sampler, seja em um plugin ou em um hardware.
Defina um tempo de attack mais longo e analise o resultado sonoro:
Dito isso, não há porque tentar dar zoom na forma de onda para encontrar o ponto de início perfeito. Apenas ajuste o ataque e conserte-o rapidamente.
5. Destaque seus Transientes com um decay lento e com um nível mais baixo de sustain
Se você estiver usando um pad ou um lead com muita energia no início, um decay médio com um nível de sustain mais baixo é uma ótima maneira de destacar os transientes iniciais.
Os transientes são os pontos altos da sua forma de onda – onde há mais energia. Um sustain mais baixo e um decay médio enfatizam a energia inicial de um som sem permitir que ele domine todos os outros elementos do seu arranjo.
Dessa forma, manter o sustain mais baixo é uma ótima maneira de conferir alguns picos e vales dinâmicos à sua faixa. Em suma, isso tornará sua faixa mais interessante para os ouvidos.
Aqui está a definição usada e a sonoridade obtida. Predefinição “FM2 Filterless Sweep Lead” no Operator do Ableton Live.
A energia inicial do som está lá. Mas o nível mais baixo de sustain dá espaço para uma respiração após a primeira marcação.
Agora vamos compará-lo com um sustain mais alto e com um decay mais longa – sem alterar mais nada.
Temos um som robusto e impactante. Isso pode ser sutil por si só. Mas você corre o risco de ofuscar outros elementos em sua mixagem e mitigar a energia inicial de seus sintetizadores.
Confira as definições utilizadas e a sonoridade obtida:
Não procure o som perfeito. Crie-o.
A compreensão do ADSR abre um mundo inteiro de posibilidades sonoras.
Ele é capaz de transformar as suas predefinições em pontos de partida para sonoridades únicas – experimente com elas.
O ADSR melhora o que já é bom. Além disso, você está criando seus próprios sons em vez de depender de ajustes prévios.
Então ataque seus projetos, diminua suas distrações, sustente seu sucesso e lance o melhor som possível.
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Gabriel é um músico apaixonado pelas paisagens sonoras do Brasil. Recém radicado em Montreal, ama pedalar pelas ruas da cidade e acredita na força do som e dos encontros.
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