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Envolventes ADSR: Cómo Diseñar el Sonido Perfecto [infographic]

Envolventes ADSR: Cómo Diseñar el Sonido Perfecto [infographic]

ADSR significa Ataque, Decaimiento, Sostenimiento y Relajación. Es un concepto muy importante en todo tipo de producción musical. Juntos, forman la envolvente ADSR.

Las envolventes ADSR se aplican a cualquier sonido, sin importar la fuente. Los controles ADSR se encuentran comúnmente en sintes VST, sintes de hardware y samplers.

Saber qué significa cada término del ADSR—y aún más importante, cuándo usarlos—es esencial para los creadores de música.

Está guía te ayudará a entender el ADSR visualizando qué es lo que realmente hacen las envolventes ADSR.

Además, cubriré algunos usos comunes del ADSR y cómo ajustar sus parámetros para obtener el sonido que buscas.

¡Así que comencemos! Al fin, una guía ADSR simple que tiene sentido.

¿Qué es el ADSR?

ADSR es el Ataque, Decaimiento, Sostenimiento y Relajación de un sonido. Juntos forman la envolvente ADSR. Una envolvente ADSR determina cómo evoluciona un sonido en el tiempo.

Todos los sonidos se pueden describir con el ADSR.

Por ejemplo: un ladrido de un perro enojado tiene un ataque rápido y una relajación rápida, mientras que un chillido de una puerta que no has arreglado tiene un ataque lento con un sostenimiento medio y una relajación larga. ¿Confundido? Tal vez me estoy apresurando un poco… Comencemos con lo básico.

Las envolventes ADSR son más fáciles de entender al ajustar sonidos de sintetizador. Así que voy a hablar del ADSR con sonidos de sintetizador en mente. Pero las envolventes ADSR también se usan con efectos, samples, e incluso LFOs.

Esto es lo que significa cada parte de el ADSR:

asdr-01

Cómo Usar el ADSR

Ahora que ya sabes lo que es el ADSR, es hora de aprender cómo y cuándo usar cada parámetro para obtener el sonido perfecto.

Hay usos infinitos para el ADSR. Pero hay algunos usos específicos que son realmente útiles sin importante con qué instrumento estés trabajando.

Usarlo bien no siempre tendrá un efecto dramático. Pero hacer cambios sutiles con el ADSR tendrá un efecto general en la calidad de tus mezclas y producciones.

Aquí hay 5 formas útiles de usar el ADSR en tu proceso:

1. Usa un tiempo de ataque largo y un tiempo de relajación largo para crear hermosos pads

Los pads grandes y dispersos son el acento perfecto en cualquier track. Crearlos ajustando los tiempos del ADSR es una forma súper fácil de hacer tus propios pads.

Hazlo con tu sinte de hardware o VST favorito.

Para hacerlo bien claro, comparemos las mismas notas MIDI, pero con tiempos de ataque y relajación distintos. Aquí está el patrón MIDI que estoy usando como un ejemplo.

midi-same-longshort-a-r

Usé el sinte Operator de Ableton Live. Pero los mismos conceptos funcionan con cualquier sinte VST y cualquier DAW con controles ADSR, solo ajusta los parámetros para encontrar los que te gustan.

Usa un tiempo de ataque medio con un decaimiento medio. Usa un tiempo de relajación largo para obtener unos jugosos pads para llenar tu próximo track. Así es como ajusté el ADSR y como suena:

2-long-a-long-r

Si usas un ataque rápido y una relajación rápida tus pads sonarán como un pulso. No tendrán ese efecto frondoso, pero funcionarán bien para otras partes lead o efectos percusivos. Estos son los parámetros y como suenan:

2-short-a-short-r

Usa tus propios pads como leads o como bajos. Depende de ti. No importa cómo lo uses, el ADSR hace que crear tus propios pads sea fácil.

2. Ajusta el tiempo de ataque en cero con una relajación rápida para un sonido staccato

Enciende tu sinte de hardware favorito, o abre tu sinte VST. Mantén el tiempo de ataque en cero para obtener un sonido inmediato. Un ataque rápido es perfecto si estás buscando un efecto staccato en un sonido específico.

Los tiempos de ataque bajos o cortos son también perfectos para sintetizar sonidos percusivos como toms, redoblantes o hi hats. También es el secreto para crear stabs de trance perfectas.

Hagamos otra comparación usando las mismas notas MIDI pero con tiempos de ataque y relajación distintos. De nuevo usé Operator de Ableton Live.

3-same-midi

Ajusta tu ataque en cero y una relajación rápida para hacer los stabs staccato y groovy. Así es cómo los ajuste y como suena:

3-staccato

Si en vez de esto usas un tiempo ataque más largo y una relajación larga, obtendrás un glissando. El glissando te dará un efecto como deslizándote entre cada nota. Así lo ajusté y así suena:

3-glissando

Consejo: Crea un sonido percusivo con un ataque rápido y una relajación lenta para darle una ‘cola’ a sonidos de tipo hi-hat o redoblante (más de esto en un momento).

3. Da una ‘cola’ resonante a tu percusión en el registro agudo con un tiempo de ataque más lento

Otro truco para la percusión sintetizada es estirar el tiempo de relajación.

Si estás sintetizando sonidos percusivos como un hi-hat, un crash o un redoblante, darles un tiempo de relajación largo les dará una ‘cola’ larga. Esto es obvio en la onda de abajo:

4-slow-r

Así suena esta onda con ‘cola’ larga:

Mantener la cola de los sonidos le dará más textura y espacio a tu track sin aplicar efectos.

Consejo: Prueba usar sonidos percusivos con tiempos de relajación largos al revés para obtener un efecto de build up.

4. Ajusta el ataque para eliminar clics o golpes en el comienzo de los samples

Hago mucho esto con mi MPC. Si cortas un sample en medio de la onda un problema común son los clics al comienzo del sample.

Ajustar un poco el tiempo de ataque para que sea un poco más largo eliminará estos clics y pops que puedas escuchar. Es básicamente un fade in automatizado.

Así es como lo hice usando Simpler en Ableton Live. Pruébalo en un sampler, sea un plugin o hardware.

Usé un tiempo de ataque más largo y así es como suena:

1-long-a

Así que deja de hacer zoom en la onda para encontrar el punto de partida perfecto. Tan solo ajusta el ataque y arréglalo rápido.

5. Resalta las transitorias con un decaimiento lento y nivel de sostenimiento más bajo

Si estás usando un pad o un lead con mucha energía al inicio, un decaimiento medio con un nivel de sostenimiento es una gran forma de resaltar las transitorias tempranas.

Las transitorias son los puntos altos de la onda, donde está acumulada más energía. Un sostenimiento más bajo y un decaimiento medio enfatizan el golpe de energía inicial de un sonido sin dejar que se sobreponga a todos los otros elementos del arreglo.

Así que mantener tu sostenimiento más bajo es una gran forma de darle algunos picos y valles dinámicos a tu track. En general, hará que tu track sea más interesante al escucharlo.

Así es como lo ajusté y como suena. El preset es ‘FM2 Filterless Sweep Lead” bajo Operator en Ableton Live.

5-low-s

La energía inicial del sonido está ahí. Pero el nivel de sostenimiento más bajo deja el espacio para respirar después del golpe inicial.

Ahora comparémoslo con un sostenimiento más alto y un decaimiento más largo—sin cambiar nada más.

El sonido es más dominante y grande. Puede funcionar por sí mismo. Pero arriesgas ahogar otros elementos en tu mezcla y enterrar la energía inicial de tus sintes.

Así es como se ven los parámetros y como suena:

5-high-s

No busques el sonido perfecto. Hazlo.

Entender el ADSR abre un mundo nuevo de posibilidades sonoras.

Incluso hace que los presets se vuelva un punto de partida para algo crear único. Prueba cargar algunos de tus presets favoritos y ajústalos.

El ADSR hace que algo que ya es bueno sea incluso mejor. Además, estás construyendo tus propios sonidos en vez de depender de los presets.

Así que Ataca tus proyectos. Deja decaer las distracciones. Sostén tu éxito y libera tu mejor sonido.

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Camilo

Usualmente perdido entre beats selváticos de cumbia y ritmos latinos, el mundo del rock y el pop, guitarras eléctricas y delays. Responsable de la comunidad LANDR en español.

@Camilo

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