El Universo Modular de Colin Benders: Viviendo entre Sintetizadores y Patches
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El maestro de los sintetizadores modulares Colin Bender está conquistando el universo modular.
Colin Benders es un director de orquesta. Pero no el tipo de director en el que estás pensando…
No lleva traje de director, ni batuta, ni mocasines.
En su lugar, cables de patch, filtros, osciladores, secuenciadores, voltajes de control y tal vez un par de zapatillas de estar por casa—El productor holandés dirije sus sintetizdores modulares.
Colin Benders: Transición Modular
Por supuesto, Benders tiene experiencia como director al uso. Poco después de dejar el conservatorio en los Países Bajos, Benders formó y dirigió Kyteman Orchestra, un grupo de 30 miembros que incluía secciones poco convencionales, como 10 raperos, y otras más clásicas, como instrumentos de cuerda y percusion.
Pero recientemente Benders lo ha dejado todo para concentrarse en dominar su Eurorack de síntesis modular: un gigante y colorido muro de cables y luces—una orquesta independiente que Benders controla.
A primera vista, este instrumento parece una fábrica de chucherías que ha explotado y lo ha cubierto todo de regaliz. Pero si te acercas y lo observas y escuchas con más detale… Del lío de cables surge una serpenteante y metamorfa sinfonía de sonidos electrónicos dignos de una película de ciencia ficción. Es el extraño universo de la síntesis modular, y Colin Benders lo conoce como nadie.
Pero no viaja solo. Benders comparte en directo todo su proceso a través de sus canales de Twitch, YouTube y Facebook. Incluso invita a su público a hacer preguntas en directo y controlar su equipo durante las jam sessions maratonianas, que suelen durar varias horas.
Su enfoque transparente a la hora de crear y compartir aporta una refrescante visión del intimidante mundo de los modulares y simplifica asuntos extremadamente complicados para curiosos y amantes de los sintetizadores modulares.
Benders nos invitó a su mundo modular para reflexionar sobre la importancia del streaming en directo de su proceso, sus compañías favoritas de Eurorack y la ascendente popularidad de este formato de sintetizadores.
Has hecho música de muchas formas diferentes desde que tocaste un instrumento por primera vez. ¿Cómo llegaste al lugar en el que te encuentras hoy en día como músico?
My primera experiencia activa con la música fue cuando tenía como 3 años. Mi tío trajo una trompeta a una reunión familiar. Me obsesioné con ese instrumento, así que mi tío acabó regalándomelo. Y tuve que esperar pacientemente hasta tener suficientes dientes para poder tocarla, cosa que no ocurrió hasta unos años más adelante, a los 6 o 7 años. A partir de ese momento, la música siempre ha sido parte esencial de mi vida. Todo lo demás se me da bastante mal, mi TDAH no me permite concentrarme en cualquier cosa sencilla pero cuando se trata de música todo cobra sentido.
Comencé a ir al conservatorio a los 12 años, también a actuar con bandas, principalmente de jazz y hip hop. Dejé la escuela y el conservatorio a los 18 años para centrarme en mi propio proyecto, que más adelante se convirtió en The Kyteman Orchestra. Era una grupo de 30 miembros con cuerdas, metales, percusión, batería, bajo, teclado y 10 raperos, dirigido por mi. El proyecto tuvo muchísimo éxito en Holanda, lo cual nos permitió continuar durante algunos años. Poco a poco, los proyectos fueron volviéndose cada vez más experimentales, e incluso llegamos a desarrollar un lenguaje de signos que nos permitía componer música sobre el escenario. Mi trabajo con la Kyteman Orchestra también nos permitió trabajar con otras orquestas y me brindó la oportunidad de componer para formaciones más grandes.
Era una grupo de 30 miembros con cuerdas, metales, percusión, batería, bajo, teclado y 10 raperos, dirigido por mi.
Lo más divertido es que lo que hago hoy en día no tiene nada que ver con todo esto. Fue un giro bastante drástico. Me centré de pleno en la síntesis modular, una decisión premeditada que tomé hace 2 o 3 años. Desde entonces, he ido dejando de lado mi trabajo orquestral para centrarme cada vez más en la musica electrónica modular. Y actualmente es mi único y exclusivo proyecto.
¿Tiene cada etapa de tu carrera una influencia sobre cómo usas la síntesis modular?
Creo que lo más importante de mi carrera es que me ha aportado un amplio conocimiento sobre la teoría musical más allá de mi instrumento. Aprendí a pensar en la música a gran escala, e intento siempre pensar de forma más global antes de perderme en una sola línea. En mi rol como director de orquesta, siempre tenía que enfatizar con todos los músicos a la vez, y tratar de escuchar lo que tocábamos con los oídos de cada sección mientras mantenía el contacto con la propia composición. Empecé a imaginar la música como espacios silenciosos que debían ser rellenados a través de la interpretación de los músicos. Era un sentimiento genial: tenía una idea de cómo podíamos sonar pero nada era seguro hasta que lo hacíamos.
La música es cómo podría sonar algo, la interpretación es cómo suena esa música hoy mismo.
Esto no responde a tu pregunta, pero creo que lo más importante que he aprendido hasta la fecha es separar la interpretación de la música. Con una configuración diferente, con gente diferente y con instrumentos diferentes, sonará completamente diferente pero seguirá siendo un reflejo del potencial musical. De algún modo es algo que vuelve la músical intemporal.
¿Cuál fue tu primer contacto con la síntesis modular y qué fue lo que te atrajo?
Estaba buscando un sustituto para mis plugins. Siempre pensé que mis sintetizadores tenían un sonido soso, plasticoso, de algún modo. Por supuesto, también creía que “el analog era mucho más…” a pesar de que no tenía nunguna experiencia con sintetizadores analógicos. Pensaba que harían que todo sonara genial y que era lo que necesitaba. Así que cuando comencé a buscar un buen sintetizador, quedaba bastante decepcionado al darme cuenta de que solo podía conseguir parte de lo que quería hacer con él. Ningún sintetizador cumplía con mis expectativas. Además de eso, hay que añadir que no se me daban bien los teclados, así que me pareció una tontería invertir en sintetizadores con teclado.
Cuando escuché hablar por primera vez de los modulares, me gustó la idea de poder construir mi propio sistema. Por ejemplo, si quería un tono de Minimoog con un filtro ESM, podía hacerlo. Así que pensé que era el formato adecuado y encargué un montón de modulos y esperé ansiosamente su llegada.
Solo conseguía sacar ruidos raros de pedos y no tenía ni idea de cómo funcionaba.
Y bueno, no me fue demasiado bien. Lo odiaba. Solo conseguía sacar ruidos raros de pedos y no tenía ni idea de cómo funcionaba. Más adelante descubrí que había hecho la combinación de instrumentos más rara posible y me había gastado un montón de dinero por el camino. Al final, acabó convirtiéndose en un objeto de decoración, durante unos dos años.
Hasta que un día decidí darle otra oportunidad. Cada vez que lo miraba me provocaba un sentimiento extraño. Estaba seguro de que podía hacer algo con él. Comencé a usarlo de nuevo y acabé creando un patch polifónico. Era una canción entera. Todo estaba en su lugar, y me encantaba. Todo el sistema para tocar el instrumento cobró sentido de repente. Esto también me permitió ver qué faltaba en mi configuración, lo cual me llevó a hacer una mejora drástica y tapar todos los agujeros de mi primera organización. Pero sigo pensando que mi primera configuración de principiante podía conseguir un algo mágico. Pero no sabía como. Y eso fue lo que acabó llevándome a usar el sintetizador cada día: tratar de encontrar otra sensación de ese tipo.
De alguna manera me da la sensación de que estoy manipulando un sistema que quiere mostrarme sus increíbles resultados, siempre y cuando le plantee las preguntas adecuadas.
Ahora que trabajo con sintetizadores modulares, siento muchas similitudes con la orquesta. Sigo teniendo mi sección principal, mis refuerzos, mi sección rítmica, etc. Y cada uno de ellos tiene partes individuales en la formación global. Cada parte puede irse por las ramas, pero sólo si yo dejo que ocurra o sé como llegar a ese terreno. De alguna manera me da la sensación de que estoy manipulando un sistema que quiere mostrarme sus increíbles resultados, siempre y cuando le plantee las preguntas adecuadas. Cada día sigo encontrando cosas inpensables hasta el momento. Pero en el momento en el que las consigo, todo tiene sentido. Hay algo muy extraño en la lógica aplastante del instrumento, todo tiene sentido siempre. Solo tienes que entender su lógica, cosa que puede resultar una pesadilla si tienes 20 partes interactuando las unas con las otras.
¿Entonces tienes una conexión muy especial con tu sistema modular?
Lo más especial para mi es saber que en algún lugar hay un patch que me dejará boquiabierto.
Mi instrumento es capaz de lo que sea, siempre y cuando sepa cómo pedírselo. Cuando otras personas usan mi sintetizador, suena completamente diferente de cuando yo lo uso. Y eso es lo que más me fascina, lo personal que puede llegar a ser. He visto a otros crear sonidos con mi sintetizador que yo creía imposibles.
¿Podrías explicarnos en qué consiste un Eurorack y cómo ha evolucionado desde que empezaste a experimentar con el formato?
El Eurorack es un formato de sintetizadores modulares que ha acabado convirtiéndose en el formato más popular. Su tamaño es menor que el de sus hermanos mayores, lo que lo hace más atractivo para aquellos que no quieren convertir su salón en el estudio de Hans Zimmer pudiendo meterlo todo en un maletín. Creo que el factor tamaño ha sido el más importante para alcanzar la popularidad.
Cuando yo empecé, la gente aún elegía entre el Eurorack y el 5U (paneles más grandes, jacks de 1/4″ en lugar de jacks de 1/8″) y acabó usando el Eurorack por su tamaño y precio. Ahora todo el mundo elige el Eurorack puesto que existen muchas más posibilidades. Existen miles de módulos de entre los que elegir (4896 ahora mismo, según Modulargrid) y muchos más son desarrollados cada día. Creo que es uno de los mayores cambios que he vivido, el boom de su popularidad—que ocurrió, en gran medida, antes de que los modulares empezaran a subir a los escenarios.
Muchos artistas que usan sintetizadores modulares crean collages sonoros abstractos en lugar de canciones con partes distintivas. Tu enfoque parece enfatizar en los elementos más tradicionales de la música electrónica (como kicks, hi-hats, bass lines, etc.). ¿Por qué te atrae más este enfoque el la abstracción de la síntesis modular?
Creo que tiene mucho que ver con mi pasado con los beats y las orquestas. Al mismo tiempo, he de decir que sigo buscando la forma de integrar el aspect abstracto a mis creaciones. Dicho esto, en el centro siempre habrá un enfoque más tonal. Se me dan fatal los acordes y los paisajes épicos—The Neverending Story es probablemente mi banda sonora favorita de todos los tiempos. Idealmente encuentro siempre un equilibrio entre los acordes y el sound design, pero aún tengo mucho que aprender sobre el asunto.
¿Resulta difícil resistir a la tentación de comprar constantemente nuevos módulos con los altos precios del mercado?
Mmh… no los llaman Eurocrack por casualidad… Más enserio, he de confesar que he alcanzado niveles de locura en algunos momentos. Puedo justificar mis adquisiciones forzándome a comprar solamente partes interesantes desde el punto de vista de la expansión lógica, pero aún así mi sistema se expande cada mes. Ahora mismo mi problema es que simplemente no tengo más espacio para más módulos, con lo que mantengo a raya las nuevas adquisiciones.
Es el sueño de cualquier coleccionista, como Pokemon para músicos: hazte con todos…
Además, me gusta pensar que mi sistema está completo por el momento. Lo que más me interesa es obtener copias de lo que ya tengo. Algunos de mis módulos fueron creados en lotes muy limitados. Supongo que esto también forma parte de la escena Eurorack. Es el sueño de cualquier coleccionista, como Pokemon para músicos: hazte con todos…
¿Podrías hablarnos de tus fabricantes favoritos de módulos Eurorack?
Uno de mis favoritos es MacBeth. Diseña algo realmente espectacular. Construye como una decena de ejemplares, se acaba cansando y deja de producir ese modelo. Siempre acaban sonando genial, y el diseño es increíble. Otro que me gusta mucho es Orthogonal Devices, que construyó el secuenciador que uso para prácticamente todo. Creo que ese secuenciador me ha descubierto tantas posibilidades… Con él puedo hacer en algunos minutos lo que me solía tomar varios días.
Sin Doepfer, la escena Eurorack no sería lo que es hoy en día.
Por último, tengo que mencionar Doepfer. Simplemente porque es el pionero del movimiento Eurorack y animó a mucha gente a adaptarse a este formato. Sin Doepfer, la escena Eurorack no sería lo que es hoy en día.
¿Usas a veces sintetizadores con una arquitectura fija? Si es así, ¿te parece frustrante y limitador después de haber trabajado con la libertad que los sintetizadores modulares te ofrecen?
Justo debajo de mi estudio hay un lugar llamado Sonar Traffic, que consiste básicamente en dos tipos con una colección de sintetizadores tremenda. Lo tienen todo, desde el Roland System 100 y 700 hasta el Arp 2600, los Jupiters, el Synthon, todas las drum machines que existen… Cualquier cosa que se te pueda ocurrir, la tienen. De vez en cuando voy a su estudio para escuchar los instrumentos. Me encantaría ir durante una semana y grabar todo lo que pueda, aunque no veo la forma en la que esto encajaría con mi workflow habitual.
Me encanta mi desorden de cables y cómo todo encaja en mi formato.
Me encanta mi desorden de cables y cómo todo encaja en mi formato. Pero cuando trabajo con un sintetizador fijo, de algún modo disfruto de sus limitaciones, lo cual me obliga a centrarme en su utilización.
El Live streaming es parte importante de tu proceso. ¿Por qué es tan importante para ti compartir tu proceso creativo y cómo te ayuda a promocionar tu música y ser escuchado?
El proceso del live streaming ocurrió de casualidad. Un día decidí que quería hacerlo. Y un año más tarde, sigo haciéndolo. Me di cuenta de que me obligaba a concentrarme, puesto que de repente tenía a gente con altas expectativas observando mi workflow diario. Las jams diarias en el estudio se convirtieron en actuaciones y las cosas que habitualmente tardaría horas en hacer me tomaban solo algunos minutos.
Mi sonido oscila claramente entre composiciones totalmente melódicas y techno duro digno de una rave, con lo que nadie sabe qué esperar. Yo incluido.
Al principio solo usaba Twitch para el streaming, pero más adelante empecé a usar Youtube, y luego Facebook. Me sorprendió mucho ver que Facebook se volvía loco, con hasta 3000 espectadores al mismo tiempo (antes de eso llegaba a reunir entre 20 y 50 espectadores en Twitch).
Lo más divertido es que aún no he sacado nada de música. Sigo inmerso en la producción de mi proyecto modular, así que de algún modo los espectadores son parte de mis producciones. Últimamente he recibido varias propuestas para actuar en directo, lo cual resulta un poco confuso ya que no tengo ninguna canción terminada y mi música oscila claramente entre composiciones totalmente melódicas y techno duro digno de una rave, con lo que nadie sabe qué esperar. Yo incluido. Pero este es uno de los aspectos que hace que esto sea divertido. Supongo que todo cobrará sentido en cuando empiece a sacar música. Hasta entonces, seguiré trabajando en este caos que tanto me gusta.
Muchos de tus live streams son muy largos, ¡hasta 12 horas! ¿Crees que tu proceso requiere sesiones largas para aprovecharlas al máximo?
Supongo que la duración de mis streams tiene que ver básicamente con que estoy retransmitiendo mis jornadas de trabajo. Al fin y al cabo, busco ideas y bocetos con los que trabajar en una canción mas adelante.
El retransmitir me obliga a mantener al concentración y añade un poco de presión sana al asunto, así que resulta beneficioso. Pero ha de quedar claro que no se trata de un live show o una actuación, solo soy yo construyendo tracks. Supongo que por eso mis streams son tan largos. Podría parar la retransmisión tras una hora, pero seguiría trabajando. ¿Por qué parar de retransmitir entonces?
Tus composiciones suelen ser jams largas que se mueven por muchas áreas diferentes. ¿Cómo editas tus canciones una vez terminadas?
Es algo en lo que aún estoy trabajando. Me encanta el enfoque “una toma” y tocar todas las partes de forma simultánea. El problema es que los errores pueden ser bastante brutales, ya que implican que tengo que volver a comenzar la toma de cero. He tratado de editar y todo eso, pero me siento más cómodo volviendo a grabar desde el principio más adelante. Así que ahora mismo mi workflow es jamear durante mis retransmisiones hasta que encuentro algo que me gusta. Más adelante vuelvo a crear el patch y grabo todas las tomas necesarias hasta obtener una buena grabación. Este proceso es mucho más quirúrgico, con lo que no lo retransmito.
¿Cómo descubriste LANDR y por qué es importante en tu proceso?
Descubrí LANDR enviando mi música a otras personas. Quería que sonara mejor que mis técnicas normales de procesamiento técnico pero no quería pagar a un ingeniero por cada canción o boceto. Sigo haciendo encargos para los lanzamientos más importantes, pero para el resto de proyectos uso LANDR primero para ver si funciona como había previsto. La mayoría de veces suele ser perfecto, o al menos me hace darme cuenta de lo que tengo que mejorar en la mezcla.
¿Cómo usas plataformas como YouTube o Twitch para interactuar con tus fans? ¿Usas el feedback para decidir qué haces y qué retransmites?
Lo que más me gusta de los streamings son las interacciones. Mucha gente en mis streams entiende un mínimo el funcionamiento de estos instrumentos así que a veces saco ideas de las discusiones entre usuarios. Últimamente se ha unido mucha gente que no tiene ni idea sobre los instrumentos que uso pero disfruta de la música, lo cual es muy importante para mi. Cuando hay una buena jam, suele ser el feedback de los usuarios lo que me ayuda a filtrarla o darle forma más adelante.
Cuando hay una buena jam, suele ser el feedback de los usuarios lo que me ayuda a filtrarla o darle forma más adelante.
Interactúas mucho con tu comunidad respondiendo a las preguntas que tus fans te envian sobre tu setup y tu proceso. También parece haber un gran sentido de comunidad en el mundo modular gracias a páginas como Muff Wiggler. ¿Participas en la comunidad tanto como puedes de forma consciente?
Sin el feedback de la comunidad seguramente no podría estar haciendo lo que hago hoy en día. Los sintetizadores modulares llevan muchos años en la escena. Sin embargo, el conocimiento sobre el uso de estos no es demasiado popular, como, por ejemplo, el del piano. Especialmente ahora que el Eurorack está añadiendo funciones hasta el momento impensables en el formato modular, las técnicas han de ser descubiertas antes de ser transmitidas.
Sin el feedback de la comunidad seguramente no podría estar haciendo lo que hago hoy en día.
Y ahí es donde el poder de la comunidad es importante. Nadie tiene todas las respuestas sobre este instrumento. Pero como todos tienen ganas de aprender, compartir los descubrimientos crea una interacción que aumenta las posibilidades creativas en forma de intercambio. Es un enfoque del aprendizaje musical muy abierto. Si te fijas en comunidades como Muffwiggler, Modulargrid y todas las pequeñas comunidades en Facebook, todo el mundo se muere de ganas por descubrir los sonidos que ocultan estos instrumentos. Y cuando alguien descubre algo genial, se asegura de contárselo a todo el mundo.
¿Cuál es tu predicción sobre el futuro de la producción de audio?
Mmh… Es una pregunta muy difícil de responder. Pero de algún modo creo que la producción musical siempre encontrará alguna forma de mantener a los productores al borde de la obsesión, ya sea con un nuevo software, un nuevo género musical o una tecnología revolucionaria.
El potencial es infinito, lo cual significa que, comparado con lo que podemos hacer hoy en día, aún no hemos visto nada.
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Amante del sampling, los breaks y el reconfortante calor del Rhodes. Responsable de la comunidad de LANDR en español. SoundCloud
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